"Brindisi" (..per ogni occasione)

Messeri e nobil Dame, Cavalieri e Trovatori

è tempo di fare un brindisi

a questi Sposi Novelli e/o Giorni Belli

che or chiaman noi a far da testimoni.

Rallegriamoci dunque

per quanto dell’Amor e/o dell’Amicizia si da qui credito

orsù leviamo in alto i calici

e facciamo un brindisi in coro.

Seguite me in quel che or vi dico:

“Vino, vinèllo, quanto sei buono quanto sei bello!

A fidarsi di te resta l’inganno

che da solo vieppiù vo’ discorrendo.

Da una mano ti prendo dall’antra ti lascio

ogni volta due dita più in basso

e strizzo l’occhio all’oste:

"che porti un altro fiasco!".(*)

Pe questa vita che ci tiene al mondo

prima di cantar insieme uno stornello

di questo bicchiere voglio vedere il fondo!

Brindiamo dunque:

“Alla vita!”.

(*) (Tradizionale, elab. Giorgio Mancinelli)

Roberto Fassina … o la vicissitudine comica della salute.

In "Historia Medica” - collana Via Herakleia - Anterem Edit./ Cierre Grafica 2019.

Dialogo semiserio con l’autore.

La causa della malattia come perturbabilità fisica, la salute come armonia ritrovata, l’equilibrio come resistenza morale a non lasciarsi andare, la medicina come cura d’insieme per la conservazione della specie.

La conservazione?

Sì, un metterci alla prova che, pur non risparmiando nessuno, ha condotto l’umanità da almeno diecimila anni a questa parte e probabilmente sarà così fino alla fine dei giorni.

E perché no per l’eternità?

Semplice, è la prima risposta che viene alla mente: perché c’è di mezzo una qualche ‘apocalisse’ più volte annunciata, che tutto il sapere e la conoscenza più recentemente acquisita potranno fermare.

La credulità dello scettico!

Forse, ma Fassina, come nei bei tempi antichi, s'appella quì alla Musa:

“Dei figli d’Asclepio narrami o Musa l’historia peccatosa d’anime ribelli”.

Per cui tutto diviene lecito e vero anche al giorno d'oggi?

Presto detto.

A Epidauro infatti, nel santuario che d'Asklepios cinse il vanto, giungevano un tempo i pellegrini assorti e stanchi, che si conducevano, a ricercar nell'arte: (musica, danza, uso delle maschere nella tragedia), la cosmica armonia e il vigore d'una sanità preclusa, prima di spingersi dentro la pacata illusione dell'eterno.

Musa dici, o Fassina? Che poi è figura mitologica, o sbaglio?

Molto ancor può la Musa, basta saper scegliere quella giusta per ogni campo dello scibile sanitario, come ad esempio, ma non se ne conosce il nome, quella dedita a: “De optima corporis nostri constitutiones e de bono habitu”.

Senza possibilità di errore la ‘Historia Medica’ qui delineata non ne elenca nessuna, a meno che …

Nessun dubbio o ambiguità di sorta, si sa fin troppo bene come andavano le cose in quei primordi della storia.

No! Come andavano?

Dapprima c’erano il veggente, lo stregone, il guaritore errante, il cerusico, l’erborista e l’alchimista, finanche l’indovino e il santone, ma era il ‘medico’, il mago per antonomasia, predisposto alla sanità del corpo, così come il ‘sacerdote’ era addetto alla cura dello spirito.

Delle anime vuoi dire!

No, in quanto a quello, erano i filosofi e, in qualche caso, i poeti a prendersene cura. Ma è questo un aspetto che preferirei rimandare alla prossima occasione, in cui magari Fassina vorrà cimentarsi, facendoci così partecipi anche di questa sua conoscenza, voglio pensarlo …

E comunque avverte:

Or «Tu sai perfettamente che io non scrivo questo (libello) come altri trattati per il desiderio di diventare famoso fra le folle, ma per far piacere agliu amici.», (Galeno "De methodo medendi" X 456. C.G. Kuhn 1821).

Così Galeno di Pergamo (129-200 d.C.), medico famoso oltre che astrologo e filosofo, negli anni in cui a Roma distribuiva la sua saggezza, dando prova così che nell’antichità si curava l’uomo più che la singola malattia.

Quindi, non solo medicina?

“..medicale flebotomia / contraria contrariis / aere acque terracqueo foco / diuretico infuso d’umori / [...] autunnale miscuglio / d’infoiata melancolia”. 

Ma dall'oscuro viluppo delle illusioni e delle analogie affiorano, senza retoriche declamazioni, quelle che sono le reali necessità umane, la nostalgia d'una purezza interiore, il riscatto dalle impurità della vita e, non in ultimo, il desiderio di dare un senso al ritmo impetuoso dell'esistenza:

"Non vi è senso alcuno già consegnato nel cosmo, possiamo solo industriarci a inventarlo, provvisoriamente [...] poiché senza senso, non si dà esistenza alcuna". (P.F. D’Arcais)

Una sorta di assenza, dunque?

Quale quella di Ippocrate, per esempio.

Chi, quello del ‘giuramento’?

Esattamente, quello che viene prestato dai medici-chirurghi e odontoiatri prima di iniziare la professione, risalente attorno aI V secolo a.C.:

“..il passo della voce / lenisce il Tatto / la mano che affonda e dilaga ( e scruta / brontolii e reticenze / secondo le forze e il giudizio / a discoprire / naturalibus causis / (… mano sine magie)”. 

Di questo passo, e non siamo ancora al Medio Evo, mi chiedo quando arriveremo a parlare dello spirito e dell’anima, “… o de come lo inconscio tradisce lo conscio?”.

Per questo dobbiamo aspettare che arrivi Sigmund Freud:

“Analista d’assalto / cocaina esperimenta / strafuglia per ipnosi / la mente inturbolata / diagnosta psicoanale / fallico e orale / […] strigato super io / nevrotico ossessivo / analitico compulsivo …”.

Non dirmi, perché Freud sta forse arrivando?

È già qui, nelle pagine di questa ‘Historia Medica’ che il diligente Fassina, tra frizzi e lazzi, va impunemente narrando, qua e là edulcorando molecole di ormoni ed enzimi, imboscando antichi rimedi curativi come impiastri e cataplasmi, con uso di unguenti e lavande, fino all’uso odierno di vitamine e antibiotici:

“..(libidica pulsione / frodata e sublimata / fellona trasognata / rimossa invereconda) / in quel di Albione esilio / cremato e incenerato”.

Non posso crederci … Freud dunque un fellone?

No, semmai Fassina.

Non ti seguo, è fin dall’inizio che lo nomini, mi dici chi è questo Fassina?

Come chi è, semplicemente l’autore di questa ‘Historia Medica’ di cui andiamo parlando, inoltre de "Il pensiero verticale" ed altri impegnativi scritti.

Mi sembrava strano, quindi un futurista?

Quando mai un futurista? Semmai …

Dicevo così, solo perché mi sembra disponga di uno sguardo autistico che gli fa levitare il pensiero in senso verticale.

Ma no, è un professionista della medicina che parla in latino volgare e in greco antico, in francese, in spagnolo e in tedesco, e che fa uso raramente dell’italiano in saggi e note critiche nella pagina culturale del Bollettino dell’Ordine dei Medici di Padova.

Comprendo, un dottor Balanzone che prende nomi diversi nelle diverse città in cui allunga i suoi bighellonamenti; tant’è che da Bologna lo troviamo a Padova col nome di Graziano, a Venezia con quello di Lombardi, e chissà in quanti altri luoghi ‘in altre faccende affaccendato’.

Ma non stiamo mica parlando della maschera del Teatro dell’Arte, bensì di una ‘Historia  Medica’ in cui, abusando (‘in nomine diagnosi et prognosi’) Fassina nega e/o approva (‘dalle cause divine alle cause naturali delle malattie), che ammorbano l’umanità tutta, accentuando ‘poeticamente’ il progressivo avanzamento della medicina attraverso i suoi autori. Infatti, oltre a quelli più antichi come Alcmeone (…o dei primi vagiti medicali); Democede (…o della medicina pitagorica); Ippocrate e Galeno, fino alla Musa/Sirena delle partorienti nella Scuola Salernitana, ed al “connubio islamico de fide cum ratione”, passa “dal logos all’experimento” attraverso gli studi di Paracelso, Vesalio, Fabrici, Falloppio, Santorio, Harvey, fino a Marcello Malpighi, anatomista e fisiologo (… o della discoverta de’ capillari et globuli rossi).

Quello «de’ bianchi e de’ rossi» della Commedia dantesca?

No, siamo già oltre, attorno al 1650, prosegue con Antonio Maria Valsalva (… o dello primo psichiatra basagliano), noto per l'indagine e il rigore scientifico e maestro del celebre Giovanni Battista Morgagni; nonché del Golgi (…o de come lo cerebello s’infigura), e del Semmelweis (.. o il 'santo’ delle donne):

“Santo santo è colui / che il mite rito del lavabo impose ... che poi morì pazzo ed incompreso in manicomio." 

Fino a giungere ai giorni nostri: “Dall’experimento alla clinica, (dal cadavere al malato, dal conscio all’inconscio)".

Finalmente, era qui che ti volevo!

Aspetta, vado avanti: Trousseau, Murri (…o della verità al letto del malato); dalla “Psicosomatica” alla “Ermeneutica”; dalla “Medicina narrativa” alla “Fitoterapia”; dalla “Clinica alla tecnologia genetica” (…o de come li geni s’impisellano), alla “Ecotomografia e densitometria ossea”, alla “TAC et Magnetiche risonanze”, al “PC Personal Tormento”, fino “in meo parvulo horto” ...(dal metodo rigoroso all’empatia creativa)”.

Tanta roba!

Quanto basta, solo “Una gran parte di quello che i medici sanno, è insegnata loro dai malati” (Proust)

Peccato che i malati spesso muoiono!

“Lu cancro se lo mangia / de fegato et pulmone / lu porcuto maligno / molesto pervenuto senza busso / vampiresco moderno terminetor / caballo lestofante / di Troia infidi Achei / s’ingroppano da dentro / [...] / corsa, esausta carne sfatta / marciuto frutto senza scorta / mi porge esami sanguinanti / di fede imperitura / cachettico lo sguardo / parola franca attende / le labbra oracolari / che smatassino il nulla della vita” …

“(Oramai ke voi che faccia / kisto povero dottore onnipotente?)”

Però tu parli maccheronico assai!

Beh, posso ben dire che dopo quest’elenco di presunte malattie, me s’è messo un certo languore nello stomaco che magnerei un bue con tutta la stalla. Come se dice: "I vecchi detti non sbagliano mai, se de ’na morte s'à da morì, preferisco d’avé quarcosa in dentro de lo stommico".

Come dire, ‘a pancia piena’!

E certo, "con po’ de vino bono drentro a la fraschella, e sempre all’erta l’erotica favella".

E il medico che dice?

Che vo' che dicere, s'accontenta: “Disegna ghirigori con la mente / imbalsamata e sfatta”, s’immagina ch’io dia seguito ai suoi consigli: “Juro et scongiuro no son mi kello! poco manduco ‘nnocenti verdurelle nu spizzico de pane porello e ‘ncensurato”.

Ma tu, ci pensi mai alla morte?

Eccome no, ma giunti ar dunque: “Pensa che t’aripensa, che nel pensar m’impazzo, ma giunto ar dunque, quanno c’hai pensato tanto, nun hai pensato a un c…!”.

Non c’è che dire, in Fassina il lato ‘comico’ è assicurato, il divertimento certo, se letto con un certo impegno reso ‘dotto’ da un tocco di umorismo screanzato, insomma della burla gogliardica, dell’accoglimento “del bisogno accorato di sentirsi vivi e nel gioco delle simulazioni” (Daniela Marcheschi - Introduzione a “L’Umorismo” di Luigi Pirandello), in cui “La coscienza – così scrive il grande romanziere - non è (di per sé) una potenza creatrice; ma lo specchio interiore in cui il pensiero si rimira”.

E'bbonanotte!

L’autore: Roberto Fassina, Curtarolo 1950 (Padova) è medico chirurgo in ginecologia (per questo gli vien facile di ridere), ha pubblicato sillogi poetiche, testi teatrali satirici, raccolte di racconti, e almeno un romanzo, citato nel testo, “Il pensiero verticale” (Ibiskos 2015) e ai molti riconoscimenti ricevuti, relativi inoltre alla critica letteraria che redige sulle pagine del Bollettino dell’Ordine dei Medici di Padova.

Nota: Tutti i corsivi non contrassegnati sono di Roberto Fassina, inoltre a quelli evidenziati di altro autore, tutti gli errori sono soltanto i miei.

Contatti: massimo.fax@gmail.com

direzione@anteremedizioni.it

"Notti di Pizzica" un libro di Gianmaria Ferrante - Youcanprint 2017

Si sa, col tempo le distanze si fanno più lontane e le assenze troppo prolungate spesso si dimenticano. Così, per contrastare questa verità, si dice che il passato prima o poi ritorna a rammentarci chi siamo. È allora che non si ci può dimenticare che esiste, che il passato è parte di noi, di quanti l’hanno vissuto in prima persona e anche di chi nò, ma che avverte di avercelo nel sangue, nel proprio attaccamento alla propria terra d’origine. Si dice anche che una terra possa entrarti nell’anima e diventare ‘madre adottiva’ di quanti la ‘vivono’ nelle proprie viscere o per simbiosi elettiva, e anche di chi ne respira l’afflato direttamente dalle antiche vestigia del tempo. Come appunto nel caso dell’autore di questo libro, Gianmaria Ferrante, nativo delle valli bergamasche che una volta calato al Sud è stato travolto dalla ‘fascinazione’ disarmante e accomodante della sua musica. Del resto accade e non si può fare nient’altro che abbandonarsi ad essa, di lasciarsi condurre nelle spericolarità della vita.

Con ciò mi rivolgo a quelle ‘nuove generazioni’ che nate negli anni ’80/’90, hanno conosciuto l’avanguardia musicale del Sud, se non proprio direttamente, magari attraverso le sporadiche incisioni discografiche del Sud Sound System, il cui tentativo, più o meno riuscito, si proponeva di aprire ad una prima forma di contaminazione musicale tra l’hip hop (ragamuffin salentino) e la tradizionale ‘pizzica pizzica’, tipica di quella vasta area denominata Salento. In quegli anni erano almeno due i gruppi di ‘riproposta musicale’ esistenti sul territorio, il Canzoniere Grecanico e i Tamburellisti di Torrepaduli che si davano il cambio sulla scena delle Università e nelle feste di piazza, ma non tutti apprezzarono l’idea e le iniziative messe in campo, causa il riferimento al ‘tarantismo’ e alla ‘pizzica pizzica’ terapeutica, ai vecchi riti e credenze dei contadini del sud, in contrasto coi neo-riti metropolitani in voga.

Ciò nell’intento – così si diceva allora – di preservare identità, tradizione e radici di una presunta purezza e originalità incontaminata, in quanto bagaglio della propria cultura formativa, per quanto nel corso dei secoli, la cultura popolare della regione avesse subito a più riprese l’influsso di credenze e ideologie d’origini diverse, altrettanto solide, argomentate e diffuse in altre regioni limitrofe, tipiche dei popoli medio-orientali greci, turchi, albanesi, bizantini e islamici. Una prima constatazione infatti, fu che i cosiddetti ‘portatori’ della tradizione, a differenza dei protagonisti della scena avanguardistica metropolitana, si mostrarono più disponibili e adattabili a ogni nuova situazione e per nulla inibiti dalla questione identitaria. Per quanto, sul piano storico-teorico e sociale, prevalentemente in quegli stessi anni, si era approdati alla conclusione accademica di ridimensionamento della sfera elettiva, per cui: ’la tradizione è un’invenzione’, e l’ ‘identità è un mito’.

Nulla di più essenziale del ‘mito’ e niente più affascinante dell’invenzione della ‘tradizione’ per introdurre questo nuovo libro di Gianmaria Ferrante in cui, seppure sulla scia di una ricerca che inizialmente s’avvale di testimonianze sul campo, per l’appunto – il mito; tende a ricreare situazioni verosimilmente attendibili di un certo passato, direi alquanto suggestivo, dacché la ‘re-invenzione’ poetico-narrativa ormai diventata latente, si rianima per l’occasione in queste pagine stracolme di vita. Viene da chiedersi quale migliore forma di seduzione avvolge il lettore, se non quella di sentirsi protagonista di una storia che in qualche modo gli appartiene? Quale onesta sollecitudine l’assale, allorché superato lo scoglio della memoria (che può non avere presente), si ritrova a camminare sulle impronte dei padri e magari dei nonni, o di quei trisavoli che hanno segnato la storia di quella che oggi riscopriamo essere d’appartenenza della nostra civiltà contadina?

Non a queste domande risponde l’autore di questo libro redatto con linguaggio ‘schietto e verace’ al pari di un gioco di carte che si ripropone a quanti, seduti intorno al tavolino, magari (anzi certamente) davanti a una brocca di buon vino fatto alla vecchia maniera, si raccolgono a brindare ‘alla salute!’ e ‘alla vita!’, dopo una giornata passata ccon la schiena piegata nel duro lavoro della terra, alla raccolta delle olive o alla mietitura, e perché no, al dolce vendemmiare. Purché poi si vada tutti insieme a ballare sull’aia al suono della fisarmonica e del tamburello, sulle canzoni-a-storno che s’incastrano nel tema della ‘pizzica pizzica’, insieme canto apotropaico e imprecazione, preghiera ed esaltazione, rito magico e divinazione, sullo sfondo di una religiosità sommersa che s’aggira ancora oggi sotto altre sembianze, e che entrata nella cultura musicale contemporanea, funge da ‘suggestivo’ richiamo d’innumerevoli masse.

Quella stessa suggestione che ha infatuato lo scrittore Gianmaria Ferrante nello scrivere ‘Notti di Pizzica’, sulla scia delle ‘Notti della taranta’ che istituzionalizzata e spettacolarizzata (come quella seguita recentemente in TV in forma di concerto ‘rave’), è ‘vissuta’ con trasporto etnocoreutico durante un’intera notte da migliaia di fan sostenitori che giungono da ogni parte del mondo, letteralmente esorcizzati dall’endemica ‘possanza’ (Posse) della musica e ancor più dall'antica ‘diavoleria’, descritta da Ernesto De Martino in ‘Sud e Magia’. Il quale per primo ha istituzionalizzato l’immagine del ‘tarantismo’ nella riproposta culturale della musica popolare. A differenza del ‘tarantismo’ di esecuzione magico-religiosa, la ‘pizzica pizzica’ si presenta oggi con un ritmo e uno stile che è perfettamente compatibile con il quadro di negazione della passività, o della soccombenza alla trance spirituale.

La ‘pizzica pizzica’, suonata per giorni o addirittura settimane per la cura delle tarantate, aveva spesso caratteristiche proprie che la differenziavano da quella suonata per il ballo o come la chiamavano alcuni, la ‘taranta’, eseguita con un ritmo in genere più accelerato rispetto a quella suonata per il ballo, e molto spesso le tonalità più frequentate erano quelle cosidette 'minori', capaci di ‘scazzicare’ (ossia stimolare) più facilmente la tarantata grazie al carattere ridondante e malinconico che le tonalità minori appunto posseggono. L’odierno motto: ‘Ballati moi, ballati tutti quanti, ballati forte’, ben rende il proposito postosi nel processo di diffusione della musica e della danza popolare come forma di aggregazione comunitaria, sempre più crescente e coinvolgente a tal punto da poter attribuire ad essa valore di rappresentatività delle identità locali e della storia del territorio comprensivo del Salento e in altre subregioni della Puglia, come la Bassa Murgia e Matera, appartenuta anch'essa alla Terra d'Otranto.

Questo libro rientra in quest’ottica fatta propria dallo scrittore nelle tante storie che lo compongono e nei suoi molteplici personaggi, certuni davvero indimenticabili  e più 'realistici’; altri catturati dall’esperienza ‘vissuta’ sul territorio; altri ancora ‘immaginari’, ripresi, per così dire, da ‘soggetti terapeutici’ di una realtà ludica che, per l’appunto, si manifesta nelle ‘Notti di pizzica’ e che, in qualche modo, si rifanno ai rituali curativi dei morsicati (veri o presunti) dalla Lycosa Tarantula. Cioè in quelle notti ove il pizzico della ‘tarantola’ è più mordace e accresce nel soggetto tarantolato la smania dell’agitazione corporale e/o spirituale che a volte assume aspetti che vanno dall’ ‘indiavolato’, seguito dalla guarigione ‘miracolosa’; alla ‘fantasmata’, in cui i fantasmi del passato fanno ritorno a chiedere laggio o, a rivendicare l’affronto della ‘morte’.

Fandonie, direte voi, ma che certe cose siano davvero accadute, è di fatto innegabile.

Ed eccoci così arrivati al punto, per cui tanto vale lasciarci prendere dal rapimento del racconto e, poiché più delle parole contano i fatti, godiamo nel rileggerci com’eravamo, non senza una certa vis comica che, oggi, ci fa sorridere:

Da ‘Tre compari’. . . .

«La musica era un mezzo assai diffuso da quelle parti per esprimere gioia e dolore. La incontravi nei vicoli alla nascita di un bimbo, la notte quale serenata alla ragazza tenuta in casa sottochiave; ai matrimoni, durante i funerali, al tempo della mietitura, dopo una vendemmia. In pratica diventava l’essenza di quella gente semplice che sapeva commuovere anche il più incallito esattore delle tasse, convincendolo spesso a rimandare un poco la riscossione del dovuto, avvisare per l’arrivo di qualche tipo altolocato e senza cuore, dando così il tempo necessario per smontare il cono dei trulli e non pagare un soldo agli esattori del Regno. Non esistevano scuole adatte o maestri di grido, direttori d’orchestra o teorici del contrappunto, ma tutti andavano ad orecchio fidando nella cultura musicale formatasi in tante occasioni di ballo.

C’era poi chi accennava un canto, dapprima a mezza voce, poi sempre più deciso in base agli applausi d’incoraggiamento. A volte si univa al compare un tipo col violino incontrato dal barbiere. Se qualcuno poi ereditata una mezza fisarmonica, con l’aggiunta di una chitarra si formava un trio. Allora diventava una faccenda seria … Pare che bevessero in quantità sufficiente a liberare i vincoli segreti (…), così, dopo aver suonato abbastanza, messi da parte gli strumenti, i tre si sbottonavano raccontando maldicenze di paese; quelle già note alle comari di vedetta negli angoli strategici della zona, ma anche i segreti più riposti di certi frescono, notoriamente definiti come tipi ‘alla bona’.»

Da ‘La vedova nera’. . . .

«Nei campi rinsecchiti da un sole tremendo si aggira spesso un ragno pericoloso. Non visto, rilascia il suo marchio a qualche donna addetta al raccolto del grano e un veleno particolare, difficile da neutralizzare. In passato, allorquando non c’erano ospedali specializzati per porvi rimedio era necessario abbandonarsi a un ritmo indiavolato, portato avanti per ore, onde espellere le tossine del suo fluido mortale. Gli strumenti suonavano per tutta la notte, anche il giorno seguente, finché la donna esauriva ogni sua energia cessando di rotolarsi a terra. In parecchi assistevano all’evento, ma il ruzzzolare di quella donna tarantata non era certamente un bello spettacolo da vedersi.

Si racconta anche della continua ricerca di una serpe maligna, magari un saettone che non la mordesse, ma fece di peggio: la fissò negli occhi inserendo nell’anima un richiamo pressante, impossibile da contrastare. (…) Continuò così per mesi, scarmigliata e stanca girando per i campi, chiamando chi le aveva impresso nell’animo quel richiamo irresistibile; guardando nei buchi sui muri, nei cespugli delle forre selvatiche. Poi una follia silenziosa la ridusse a cancellare qualsiasi amicizia. L’estate successiva si allontanò dal paese e non vi fece più ritorno, ma parve a qualcuno che fosse tornata in gran segreto nella Sierra Rotta alla ricerca di chi la chiamava nel sonno. Poi non la si vide più, forse sparita nella voragine di quella terra maledetta, aperta in un lontano possato da uno sconquasso tremendo.»

Da ‘Donne pericolose’. . . .

«Il giorno della festa era di sabato. Benché si lavborasse tutto il giorno, salvo per riposare la domenica, li abitanti della masseria con famiglia propriearia , braccianti, avventizi e giovani donne addette alla raccolta del grano, oltre a una schiera di bimbi sempre di corsa, si ritrovarono per una festa ch’è rimastra negli annali della zona. La voce si sparse dappertutto, anche fuori contrada. (…) Convocarono i suonatori più conosciuti. Il cieco leo di Funieddo, Linuddo lo Zueppo e Pino Reale con Irina, diventata sua moglie e ormai aggregatasi al gruppo. Si aggiunge poi Nino di Milano con Ziella, donna splendida e gran ballerina di ‘pizzica’, capelli neri sciolti al vento, una rosa rossa fermata con forcina d’osso, camicetta grigio perlat, gonna nera molto ampia con fascia rosso carminio in vita.

Di sera arrivarono anche ‘Ntonuccio lu Fiscolo e suo padre, entrambi a bracceto del nonno che, fatto assai strano, lasciò sguarnito il frantoio con dentro l’olio di un inverno intero; quindi Seppo il Sensale, sempre alla ricerca di qualche affare, e Maestr’Antonio, il falegname rimasto solo, oltre a parecchie bimbe, saltellanti prima ancora che cominciassero a suonare. (…) L’invito ufficiale venne fatto da Tommaso il Cantatore, noto per le strofe amorose pronunciate durante ogni matrimonio; in fondo era l’unica attrazione di quel periodo, naturalmente escludendo i suonatori in giro per contrade alla ricerca di un pasto sostanzioso. A ogni frase con rima lui riceveva un applauso, poi beveva, giusto per santificare il fatto (e la festa). E quandol’esternazione poetica si prolungava più del necessario, di peso lo portavano fuori a prendere un po’ di fresco, così per rianimarsi un poco. (…) Quindi il piccolo gruppo riprese a suonare, ma ormai il ritmo si era addolcito rilasciando per tutti canzoni d’amore e fratellanza sincera. Alcuni ripresero a danzare, altri si commossero o rimasero seduti colloquiando fra loro. (…)

A tarda sera qualcuno intonò un canto, ereditato forse dai naviganti che fecero sosta in passato a Torre dell’Orso e si sfidarono con spade e coltelli, mentre uno zufolo accompagnato da un tamburello li spingeva a danzare. Quella sera il coro della gente crebbe di forza fino a investire la luna con un raro sentimento di fratellanza, poi tutti se ne tornarono a casa o salpavano l’ancora, ma quella musica sarebbe rimasta impressa nella loro memoria, fino alla prossima occasione della festa.»

Bibliografia essenziale:

Di Gianmaria Ferrante, romanziere, saggista, poeta, si conosce una folta produzione letteraria, tra cui i romanzi: ‘Un uomo di successo’ Ed. BookSprint; ‘Quaranta notti’ Europa Edizioni; ‘Gli amori verdi’ Ed. rpa Letteraria. Inoltre a una forbita produzione poetica raccolta in ‘Metropolis’ ed in ‘Mediterranea’ Ed. Golden Press International Edition, (vedi recensione su questo stesso sito).

Sitografia: www.gianmariaferrantescrittore.it www.ipoderidelsole.it

'GIUSTO PER DIRE': legami di amore e odio tra lingua madre e lingua zia, tra lingua scritta e lingua parlata.

Teatro di Villa Torlonia Domenica 5 marzo 2017 ore 11

Incontro con Patrizia La Fonte

“Giusto per dire: legami di amore e odio tra lingua madre e lingua zia, tra lingua scritta e lingua parlata” Una conferenza spettacolarizzata, con la partecipazione del pubblico e di giovani attori, sulle vicissitudini dell’italiano parlato, e con libere incursioni nella storia e nelle trasformazioni in atto. Oggi che le lingue e i linguaggi si mescolano, può essere stimolante e perfino piacevole cercare di dipanare la complicata matassa delle molte opinioni sull’esattezza di una lingua che, come tutte, si modifica di continuo. Cercare una via d’uscita nel labirinto della pronuncia, dell’ortoepia e della dizione attraverso un metodo che non prevede l’insegnamento delle regole riserverà curiose sorprese.

Lo spunto nasce dal libro della stessa Patrizia La Fonte “Giusto per dire", guida poco teorica e molto pratica per l’italiano parlato”, pubblicato alla fine del 2016 dall’editore IkonaLìber, che sviluppa un’originale sequenza di passi diretti a padroneggiare la nostra lingua. Chi ne avrà piacere potrà anche sperimentare qualche esercizio per l’uso della voce e l’articolazione dell’italiano parlato. Sarà interessante raccogliere opinioni differenti e provare a mediare tra versioni contrastanti. Del resto, una lingua viva è, sì, quella che si parla ma è anche quella di cui si parla. Intervengono Carlo Bernardini, Tiziano Caputo, Samantha Silvestri e altri ospiti a sorpresa in platea.

Presenta Patrizia La Fonte con la partecipazione amichevole ed estemporanea di David Riondino.

A cura di Patrizia La Fonte Ingresso libero.

Inoltre: autrice e coautrice di testi teatrali, scrive, dirige e interpreta "Maturina fantesca, erede di Leonardo da Vinci" in un piacevole italiano cinquecentesco, pubblicato da questa stessa casa editrice nella collana 'Il teatro nel mondo'.

OSCAR 2017

Da parte mia nessun commento, la 'baracconata americana si commenta da sola'; le opposizioni tra i componenti della giuria, la squallida kermesse anti-presidenziale (ma se l'hanno votato alle elezioni?); i film fasulli come 'La la land' che poteva ben stare dentro lo spazio del trailer-musicale; la noia mortale di 'Moonlight' pari almeno al nostro 'Fuocammare', mi fanno dire che quando il 'gatto non c'è i topi ballano', per dire che non si è visto un film degno di essere chiamato tale, o almeno degno di essere enumerato nella cinematografia mondiale come qualcosa di 'autenticamente valido'.

Comunque per gli appassionati va comunque data notizia e magari mi aspetto qualche commento. 'Un grazie anticipato. In collaborazione con Cineuropa News e Il Post News.

“Moonlight”, il Miglior film agli Oscar 2017. È un film diviso in tre episodi, ambientato a Miami e con protagonista un bambino (poi ragazzo e poi uomo) nero: Jenkins, il regista aveva fatto un solo film, prima L’Oscar per il Miglior film quest’anno è stato vinto – a sorpresa – da Moonlight. A sorpresa perché non era considerato favorito (la SNAI, per esempio, dava la vittoria 1:6) e, soprattutto, perché ha vinto dopo che – per via di un guaio – quel premio era stato consegnato a La La Land. Moonlight era candidato in otto categorie (film, regia, attore non protagonista, attrice non protagonista, sceneggiatura non originale, fotografia, montaggio, colonna sonora) e ha vinto in tre: oltre a Miglior film anche Miglior attore non protagonista (Mahershala Ali) e Miglior sceneggiatura non originale (a Barry Jenkins, che è anche il regista, e a Tarell Alvin McCraney, autore del testo teatrale da cui Moonlight è tratto).

Moonlight è nei cinema italiani da metà febbraio e dopo questa vittoria aumenteranno sicuramente le sale in cui verrà programmato: è un film drammatico diviso in tre episodi che raccontano tre momenti nella vita di Chiron, un bambino nero (poi adolescente e uomo) cresciuto a Liberty City, un quartiere di Miami. I primi due episodi sono molto simili a quelli di In Moonlight Black Boys Look Blue (il testo teatrale da cui è tratto il film), il terzo è stato pensato apposta per il film. È il motivo per cui in alcuni dei premi che precedono gli Oscar Moonlight era stato candidato tra i film con una sceneggiatura originale, vista la grande differenza dal testo a cui si ispira. Sia Jenkins che McCraney sono neri e sono cresciuti a Liberty City. Gli attori più noti di Moonlight sono Mahershala Ali – che interpreta uno spacciatore che incontra il protagonista quando è ancora piccolo, e cerca di aiutarlo – e Naomi Harris, che interpreta la madre del protagonista. Ali – che ha parlato di questo personaggio come di quello che più gli manca tra tutti quelli che ha interpretato – è famoso soprattutto perché interpreta Remy Danton in House of Cards e per ruoli quasi mai da protagonista.

Harris – che ha dovuto girare tutte le sue scene in tre giorni, perché è britannica e le sarebbe scaduto il visto – ha recitato in Spectre, Southpaw e Collateral Beauty. Jenkins ha 37 anni e prima di fare Moonlight aveva diretto solo cortometraggi e un film poco noto: Medicine for Melancholy, romantico e drammatico, girato nel 2008 con un budget di circa 15mila euro. Moonlight è costato di più, ma comunque pochissimo per un film da Oscar: si parla di circa un milione e mezzo di euro. Moonlight è stato prodotto da A24 (una casa di produzione piccola ma che negli ultimi anni si è fatta notare per alcuni film molto apprezzati). Negli ultimi anni A24 (che esiste dal 2012) ha prodotto o co-prodotto, tra gli altri, The bling ring, Son of a gun, Ex machina, Amy, Room, The End of the Tour, The Lobster, The Witch e Swiss Army Man. Film che, come ha scritto l’Economist, in molti casi «hanno rotto la monotonia della narrativa di Hollywood, proponendo storie particolari, sia bizzarre che stracariche di inattese riflessioni sulla società».

Che tipo di film è Moonlight. Nei primi minuti del primo episodio – il cui titolo è “Little” – Chiron (il protagonista) è un ragazzino esile e piuttosto timido che incontra Juan (il personaggio interpretato da Ali). All’inizio Chiron non gli rivolge la parola, ma col tempo inizia a fidarsi di lui. Si scopre poi che Chiron ha una vita piuttosto complicata e che tra le cause c’è la madre tossicodipendente. Le uniche persone con cui Chiron va d’accordo sono Juan, Teresa (la fidanzata di Juan) e Kevin, un ragazzino della sua età. Negli episodi successivi – intitolati “Chiron” e “Black” – ritornano molti dei personaggi che si vedono in “Little”: la madre di Chiron è sempre interpretata da Harris; Chiron e Kevin sono invece interpretati da tre attori diversi. Quelli che interpretano Chiron sono, nell’ordine: Alex Hibbert, Ashton Sanders e Trevante Rhodes. Moonlight è un film piuttosto lento, con poche parole; ma non è uno di quei film in cui non succede niente. C’è una trama, succedono cose. Dirne di più potrebbe però rovinare parte del piacere della visione.

Tra chi ha scelto di parlarne svelandone il meno possibile c’è IMDb, che l’ha descritto come «una storia senza tempo di scoperta di se stessi e legame con gli altri» e un film che «racconta la storia di un ragazzo nero che lotta per trovare il suo posto nel mondo crescendo nella difficile periferia di Miami». Come ne hanno parlato i critici. Le recensioni dei critici professionisti sono invece state ottime: non c’era film candidato agli Oscar del 2017 che, nel complesso, fosse piaciuto di più. Sia Rotten Tomatoes che IMDb – i due siti di riferimento per i voti ai film – hanno un sistema per dare un punteggio che riassuma il totale delle recensioni dei critici più importanti. Su IMDb Moonlight ha preso 99 su 100 e il 98 per cento delle recensioni prese in considerazione da Rotten Tomatoes parlano del film in modo positivo. Per trovare una delle poche recensioni negative tra le circa 200 prese in considerazione da Rotten Tomatoes bisogna finire sul sito australiano 3AW, il cui critico Jim Schembri ha scritto che «Moonlight perde mordente e nell’ultimo capitolo ha troppo poco da dire per trovare una conclusione drammaticamente soddisfacente.

L’adulazione dei critici e le nomination che ha avuto lo rendono un concorrente al premio per il film più sopravvalutato dell’anno». È molto più facile trovare recensioni positive, fatte da critici spesso entusiasti: Peter Debruge di Variety ha scritto che Moonlight «è un’opera d’arte socialmente consapevole, tanto essenziale quanto profonda»; David Rooney dell’Hollywood Reporter ha elogiato la fotografia e, più in generale, la bravura del film nel rispondere a una semplice domanda implicita ma evidentissima che il protagonista si fa: «Chi sono?». Joshua Rothkopf di Time Out New York ha scritto che Moonlight è il motivo per cui andiamo al cinema: «Per capire, per avvicinarci alle cose, per stare male, possibilmente in compagnia di qualcuno». Secondo Justin Chiang del Los Angeles Times, «Moonlight non dice molto, dice tutto».

Tim Grierson di Screen International ha scritto che Moonlight «è ambizioso per la sua portata e preciso nell’esecuzione». Moonlight è stato presentato a ottobre al Festival del cinema di Roma, dove la critica italiana ne parlò bene ma non bene quanto quella americana. Paolo Mereghetti, il famoso critico del Corriere della Sera, lo definì delicato, sensibile e senza «paura di mostrare le durezze della vita». Seppur tra i generali apprezzamenti, alcuni critici hanno detto di essere rimasti in parte delusi dalla sceneggiatura, che in certi casi evoca e non mostra né racconta. È invece davvero difficile trovare critiche alla recitazione, alla fotografia o al modo in cui i temi del film vengono fuori.

Un film da andarvi a cercare, se vi è piaciuto Moonlight. In diverse occasioni Jenkins ha raccontato di apprezzare molto Wong Kar-wai, regista e produttore cinese che vive a Hong Kong e ha diretto, tra gli altri, Days of Being Wild, In the Mood for Love, Happy Together e The Grandmaster. Parlando di Hong Kong Express, un altro film di Wong Kar-wai, Jenkins ha detto di averlo molto apprezzato perché lo ha «risucchiato» ed era «stilisticamente diverso da ogni film che aveva visto fino a quel momento». Partendo da quanto detto da Jenkins, Alessio Marcucci ha pubblicato su YouTube un video che mostra le cose di Moonlight che ricordano cose di Kar-wai.

'La La Land' domina gli Oscar ma il Miglior film è 'Moonlight' di Naman Ramachandran 27/02/2017 -

Il cliente di Asghar Farhadi vince il titolo di Miglior film in lingua straniera. Agli italiani Alessandro Bertolazzi e Giorgio Gregorini la statuetta per il Miglior trucco Il team di Moonlight ritira l'Oscar per il Miglior film (© The Academy/Getty) Sembrava che i sei Oscar di La La Land dovessero diventare sette quando i presentatori Warren Beatty e Faye Dunaway lo hanno annunciato come Miglior film. Il team di La La Land era già salito sul palco ed erano cominciati i discorsi di ringraziamento quando è scoppiato il caos: gli organizzatori hanno informato che Beatty aveva ricevuto la busta sbagliata e che il vincitore del titolo di Miglior film era Moonlight.

La PriceWaterhouseCooper, la società che si occupa del conteggio dei voti agli Oscar, ha dichiarato: “Ci scusiamo sentitamente con Moonlight, La La Land, Warren Beatty, Faye Dunaway e gli spettatori degli Oscar per l’errore compiuto durante l’annuncio del Miglior film. Ai presentatori è stata consegnata la busta con la categoria sbagliata e non appena scoperto, è stata immediatamente corretta. Al momento stiamo indagando su come possa essere successo e proviamo un profondo rammarico per quanto è accaduto. Apprezziamo la grazia con cui i nominati, l’Academy, ABC e Jimmy Kimmel hanno gestito la situazione”. Ciò nonostante, il film di Damien Chazelle ha dato una buona prova di forza vincendo l’Oscar per la Regia, l’Attrice protagonista Emma Stone, la Fotografia dello svedese Linus Sandgren, la Colonna sonora originale di Justin Hurwitz, la Canzone originale di Benj Pasek e Justin Paul (‘City of Stars’) e la Scenografia di David Wasco.

Oltre che per il Miglior film, Moonlight è stato incoronato per la Sceneggiatura adattata dal regista Barry Jenkins, da una storia di Tarell Alvin McCraney, e per l’Attore non protagonista Mahershala Ali. Casey Affleck è il Miglior attore protagonista per Manchester By the Sea, mentre Viola Davis ha vinto come Attrice non protagonista per Barriere. La coproduzione franco-iraniana Il cliente [+] di Asghar Farhadi ha vinto come Miglior film in lingua straniera: per il regista è il secondo trionfo in questa categoria dopo l’acclamato Una separazione nel 2012. Farhadi, che ha boicottato la cerimonia a causa del divieto di ingresso negli Stati Uniti per i cittadini di sette paesi a maggioranza musulmana, tra cui l’Iran, ha mandato l’ingegnera iraniano-americana Anousheh Ansari in sua vece, che ha letto una dichiarazione di Farhadi: “Mi dispiace non essere con voi stasera. La mia assenza è dovuta al rispetto verso i miei concittadini e gli abitanti degli altri sei paesi a cui una legge disumana ha impedito l’ingresso negli Stati Uniti. Dividere il mondo in due categorie, noi e i nostri nemici, porta alla paura. È una giustificazione ingannevole per l'aggressione e la guerra e questo ostacola la democrazia e i diritti umani in paesi che a loro volta sono stati vittime di aggressioni. Il cinema può catturare le qualità degli uomini, combattere gli stereotipi e creare un’empatia tra gli esseri umani che oggi serve più che mai".

Gli altri vincitori europei della serata sono 'Animali fantastici e dove trovarli', che ha ricevuto l’Oscar per i Migliori costumi per il lavoro di Colleen Atwood, il cortometraggio ungherese 'Sing di Kristof Deak' e 'Anna Udvardy' (categoria Live-Action) e il corto britannico 'The White Helmets' di Orlando von Einsiedel e 'Joanna Natasegara' (categoria Documentario). Gli italiani Alessandro Bertolazzi e Giorgio Gregorini condividono con l’americano Christopher Nelson l’Oscar del Miglior trucco e acconciatura per 'Suicide Squad'.

I vincitori:

Miglior film Moonlight - Barry Jenkins

Miglior attrice protagonista Emma Stone - La La Land

Miglior attore protagonista Casey Affleck - Manchester by the Sea

Miglior regia Damien Chazelle - La La Land

Miglior attore non protagonista Mahershala Ali - Moonlight

Miglior attrice non protagonista Viola Davis - Fences

Miglior film d’animazione Zootopia - Byron Howard, Rich Moore e Clark Spencer Miglior film in lingua straniera Il cliente - Asghar Farhadi (Francia/Iran)

Miglior sceneggiatura adattata Moonlight - Sceneggiatura di Barry Jenkins; soggetto di Tarell Alvin McCraney

Miglior sceneggiatura originale Kenneth Lonergan - Manchester By the Sea

Miglior musica (Colonna sonora originale) La La Land - Justin Hurwitz

Miglior musica (Canzone originale) ‘City Of Stars’ - La La Land. Musica di Justin Hurwitz; testo di Benj Pasek e Justin Paul

Miglior fotografia Linus Sandgren - La La Land

Miglior montaggio John Gilbert - Hacksaw Ridge

Miglior scenografia La La Land - Production design: David Wasco; set decoration: Sandy Reynolds-Wasco Migliori effetti visivi The Jungle Book - Robert Legato, Adam Valdez, Andrew R. Jones e Dan Lemmon

Miglior trucco e acconciatura Suicide Squad - Alessandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini e Christopher Nelson Migliori costumi Animali fantastici e dove trovarli - Colleen Atwood

Miglior cortometraggio d’animazione Piper - Alan Barillaro e Marc Sondheimer Miglior sonoro Arrival - Sylvain Bellemare

Miglior montaggio sonoro Hacksaw Ridge - Kevin O’Connell, Andy Wright, Robert Mackenzie e Peter Grace

Miglior documentario O.J.: Made in America - Ezra Edelman

Miglior cortometraggio documentario The White Helmets - Orlando von Einsiedel e Joanna Natasegara (Regno Unito)

Miglior cortometraggio Sing - Kristof Deak e Anna Udvardy (Ungheria)

Pssst: Migliore spettatrice mia Nonna Matilde che non è mai entrata in una sala cinematografica fino alla veneranda età di 96 anni.

Omaggio a Zygmunt Bauman … nel giorno del ricordo.

"La nostra vita è un'opera d'arte,

che lo sappiamo o no,

che ci piaccia o no. . . .

Che lo vogliamo o no.”

Leggi: Zigmunt Bauman ... "O la coscienza liquida" - saggio di Giorgio Mancinelli in larecherche.it argomento filosofia / sociologia.

Leggi:Zigmunt Bauman ... "Paura Liquida" - Saggio / Recensione libro in larecherche.it argomento sociologia.

STELLE DI CARTA E STRENNE DI NATALE

(poesia, libri, arte, musica, cinema, teatro, viaggi, vacanze)

(prima parte)

“Stanotte” ( GioMa 1965)

Stanotte le stelle sembrano più belle

brillano di più

cercando in cielo si scorge un volo

si sente un canto

sono angeli in coro che nella notte buia

annunciano ‘Alleluja!’

danzar sembra vederle per come son contente

sembrano fiammelle

stanotte i cuori divengono più buoni e

nel cielo azzurro d’un azzurro cupo

la luna brilla a consolar le genti

affinché s’amino di più

stanotte …

Trascorrere le vacanze di Natale nella pace quotidiana in seno alla famiglia, nella casa addobbata a festa, prostrarsi davanti al Presepe di sughero o di carta o bearsi alla luce delle candeline accese sull’albero, come ho appena fatto io nel riproporvi una filastrocca natalizia significa vivere i ricordi o, se preferite, rivivere i momenti più belli dell’infanzia, assaporando i deliziosi piatti della cucina casareccia e i gustosi dolci della tradizione, pur sempre da condividere con gli altri. Con tutti coloro che conservano certi ricordi ed anche, con quanti non ne hanno o li hanno persi nel corso della loro esistenza; o che li hanno dovuti abbandonare a causa della mostruosità delle guerre, degli incombenti terremoti, delle fughe da tutto e da tutti. Ed anche con i tanti diseredati degli affetti più cari e che trovano rifugio nella solitudine, o chi si chiude nella triste dimensione d’uno spirito asociale.

«Di là dalle idee, di là da ciò che è giusto e ingiusto, c’è un luogo. Incontriamoci là» (Mawlānā Jalāl al-Dīn Rūmī – Poeta persiano)

Ancor più Natale vuol dire il rinnovarsi dello ‘spirito guida’ della nostra esistenza, altrimenti per quale ragionevole motivo siamo chiamati a continuare a vivere in questo isolato universo? Se non per essere affrancati dalla solitudine e cercare nell’incontro con gli altri un motivo di sopravvivenza reciproca. Trovo alquanto inutile sollevarci da questa vicendevole incombenza se la caducità della nostra vita annulla con un solo colpo di spugna tutto ciò che di buono e di bello abbiamo saputo preservare e, quant’altro abbiamo ricreato a immagine e somiglianza di ciò che d’immenso ci è consegnato seppure temporaneamente. Dovremmo ricordarci più spesso che non tutto ci è dato gratuitamente, che ogni cosa, nel bene e nel male ha un costo, finanche l’effimera ‘bellezza’ che pure rincorriamo, ha un suo valore intrinseco, e quindi un prezzo talvolta eccessivo, sovrabbondante, smisurato, e che non va sprecato inutilmente.

Per quanto oggi, va detto, ci troviamo davanti a una svolta epocale che segna il passo con ciò che, in certo qual modo, confermava una certezza antica come il Natale e le tradizioni in genere, tutto è rimesso in discussione dalle scelte, analizzate e valutate da centri specializzati altamente tecnologicizzati, che nella spinta ad andare avanti, pur trovano un momento d’arresto, quasi di sgomento di fronte al nuovo che incombe, lasciando ampi spazi a quell’atavica ‘paura’ che occupa gli anfratti più reconditi della nostra anima e di quei nostri sentimenti che sono l’essenza del vivere quotidiano e che ci permettono di riconoscere negli altri noi stessi, e di accoglierli fraternamente con gesti di sostegno e solidarietà.

Gesti questi che a volte richiedono una ferma volontà di condivisione di quel poco che abbiamo e che pure talvolta va sperperato per negligenza, quanto addirittura negato per ignavia o avidità di accumulo e di possesso. Liberiamoci quindi da tutto questo e andiamo incontro agli altri accelerando l’avanzata di un futuro di ‘pace’ nel segno della ‘misericordia’, con quell’amore e quella bellezza che vorremmo riservata a noi stessi ...

Con "Quell'amore che move il sole e l'altre stelle" (Dante)

¶ «Eppure.. nulla è mai come sembra e nulla accade per caso. A volte la vita è migliore di quanto non sembri, a volte no.» … scrive Stefano Pavesio nella sua opera d'esordio ‘Come foglie al vento’ - EEE editore, l’ e-book fantasy presente su tutti i webstore. www.edizioniesordienti.com. Leggiamone insieme una breve sinossi: “Cinque ragazzi, residenti in anonimi e sonnolenti paesini delle colline astigiane, vedranno le loro vite sfiorate da eventi sempre più funesti, fino a diventarne parte loro stessi, scoprendo, forse senza nemmeno accorgersene, che il male non può che generare altro male e che tutto quel che accade non sempre è dettato da una personale volontà, ma accade semplicemente perché deve accadere, perché, al di là delle scelte soggettive, ci sono delle forze che guidano gli avvenimenti secondo uno schema prestabilito di ampio respiro, che porterà le loro esistenze negli anni 80-90 a intrecciarsi con vicissitudini legate agli anni della seconda guerra mondiale e alle vite di persone solo all’apparenza completamente slegate dalle loro. Ogni azione, per quanto piccola o insignificante possa apparire, ne scatena altre, talora quasi impercettibili, talora dirompenti.”

Dal redazionale di presentazione al libro: “Esiste un filo conduttore che regola il trascorrere di ogni vita, un filo che si srotola da una matassa che non conosce limiti spaziali e temporali, un filo sottile, quasi invisibile, ma resistente, indistruttibile, un filo che avvolgerà intorno a sé differenti esistenze trascinandole inesorabilmente verso un unico punto di confluenza, pur lasciando loro l’illusione di poter disporre delle proprie decisioni, un filo che avvolgerà allo stesso modo gioia e dolore, vita e morte, violenza e amore, legandoli insieme indissolubilmente. Un filo che, al di là dei mondi concreti e reali noti a tutti, lambirà sfere meno considerabili dalle menti più razionali, come quelle che sembrano donare una volontà malvagia a un borgo abbandonato e al bosco che lo circonda o come quelle che chiamano in gioco la presenza delle maschere o che sembrano suggerire un gatto albino come un’occulta presenza latrice di sventura.” «Non sempre tutto quel che accade è comprensibile. Non tutto quel che accade è accettabile, tuttavia nulla, nulla accade per caso.» (Pavesio)

Colgo l’occasione del Natale per segnalare qui di seguito le molte sfaccettature del ‘nuovo che ci viene incontro’ e che, in qualche modo, annuncia evidenti passi in avanti in letteratura come in poesia e in musica, nei libri, nel cinema e nel teatro, come pure nelle diverse opportunità di viaggio e delle vacanze.

¶ Di grande interesse l’iniziativa editoriale di Anterem Edizioni titolata “Opera Prima”, una ‘collana di poesia’ dedicata ad autori inediti in volume e sostenuta criticamente ed economicamente da un Consiglio Editoriale formato da note personalità della critica letteraria e della filosofia, oltre che da poeti e artisti. Tale Comitato è affiancato da un Consiglio dei garanti costituito da Eugenio Borgna, Umberto Galimberti, Vincenzo Vitiello. La collana (fondata nel 2003) viene pubblicata in coedizione da Anterem e Cierre Grafica è diretta da Flavio Ermini.

L’intento è far sì che la pubblicazione apra all’autore la possibilità di entrare in contatto con i settori intellettualmente più vivaci del mondo letterario, filosofico e artistico. Tale gesto editoriale ha un’ambizione: non far ricadere i costi editoriali e di distribuzione sull’autore. A questo proposito la Direzione, il Consiglio editoriale e il Consiglio dei garanti mettono a disposizione la loro esperienza gratuitamente. I tre organismi hanno il duplice compito di garantire la qualità delle scelte editoriali e di sostenere totalmente il costo della pubblicazione.

L’iniziativa costituisce un vero e proprio evento. Non è frequente, infatti, la costituzione di un gruppo di intellettuali che produce e promuove, in modo assolutamente disinteressato, una collana di poesia dedicata ad autori inediti. Così come è raro in questi anni un impegno editoriale nei confronti dei nuovi poeti. “Opera Prima” si avvale della preziosa collaborazione del sito www.poesia2punto0.com - www.anteremedizioni.it/opera_prima_7

¶ Tra gli eventi che hanno segnato quest’anno che sta per trascorrere sono di un certo rilievo sia la produzione letteraria de larecherche.it con il richiamo all’attenzione sulla pubblicazione on-line dell’e-Book n. 204 della collana “Libri liberi” in occasione del 145° anniversario della nascita di Marcel Proust, intitolato “TRENI”: Linee e coincidenze proustiane; a cura di Giuliano Brenna e Roberto Maggiani e realizzazioni grafiche di Lisa Merletti. Si rammenta inoltre che “Libri Liberi” consta di più di 200 volumi scaricabili gratuitamente in formato pdf, epub e mobi (Kindle) direttamente dal sito www.larecherche.it/librolibero_ebook.asp?Id=208.

Ben 55 sono gli autori, ‘I Ferrovieri’, intervenuti coi loro scritti originali tutti degni di essere letti; mentre il Viaggiatore/i, caro lettore/i, sei Tu al quale va l’augurio di una felice lettura.

Inoltre l'invito a partecipare al contest poetico-letterario "Il giardino di Babuk - Proust in Italie" a partecipazione aperta e gratuita il cui bando è possibile scaricare sul sito medesimo.

¶“Muovimenti – segnali da un mondo viandante” – Antologia della e sulla migrazione è una pubblicazione di Terra d’ulivi edizioni di Elio Scarciglia – curatori: Bartolomeo Bellanova, Pina Piccolo, Lucia Cupertino, Gassid Mohammed. www.lamacchinasognante.com. L’antologia nasce dal lavoro di oltre sei mesi svolto dai curatori, fondatori insieme ad altri amici del contenitore on line di scritture dal mondo che hanno sentito la necessità di raccogliere segnali provenienti dai movimenti che coinvolgono ogni anno sessanta milioni di persone, attori di migrazioni spinti da guerre, persecuzioni etniche, fame, desertificazione o semplicemente per realizzare il proprio progetto di vita, famiglia, lavoro o studio.

La dimensione della migrazione è, quindi, una caratteristica primaria, ontologica, dell’esistenza. Chi può pensare che un continente abbia un padrone come se fosse un latifondo? E soprattutto chi può decretare che i padroni sono coloro che lo abitano e non anche chi, nel corso delle sue migrazioni, lo va ad abitare, come è accaduto per lungo tempo all’arrivo in Europa di molti dei nostri antenati? Che forse non sono gli europei discendenti da popoli arrivati dall’Asia e dall’Africa, dall’Egitto, dalla Persia, dalla Turchia, dalle steppe russe degli Urali?

Nota: Il ricavato della vendita di ogni libro, dedotti i costi dell’editore, verrà interamente devoluto all’associazione non profit “Amal for Education” per creare un ponte ideale con i bambini e i ragazzi siriani devastati da cinque anni di guerra civile.  http://www.edizioniterradulivi.it/muovi-menti-segnali-d…/131

¶ Ed eccoci davanti a una sorta di ‘stravagante vaghezza di vivere’ che pure trova nella ‘poesia’ così detta la ragione d’ogni propria esistenza letteraria … è questa una definizione che ben si attaglia al nostro comune amico Carlos Sanchez che per l’occasione ci ha inviato una significativa poesia dell’argentino Raúl Gustavo Aguirre (1927 – 1983):

“Il Poeta Perduto”

Oggi ho incontrato per strada un vecchio amico che scriveva poemi, delicati, modesti e raggianti poemi. E l'amico mi raccontò che in un altro tempo la poesia fu un'indagine del suo essere che la poesia fu un bel momento della sua vita che poi si sposò, ebbe figli, e ora lottava duramente per il pane dei suoi e non scriveva più poemi perché ormai non aveva bisogno di scriverli. E io gli dissi che mi sembrava molto bene: vivi nel poema vero che è vivere con quelli, per quelli che ami. E il mio amico andò via, il suo viso triste e le sue spalle curve, e io pensai che ognuno ha diritto a vivere come può, ma un sentimento mi diceva in fondo che in lui c’era qualcosa di sconfitto che se uno ha combattuto per scuotere la polvere dalle parole e lo splendore delle parole gli brucia fino al midollo, non può più tornare indietro perché allora i vampiri avanzano e perfino Rimbaud, se dobbiamo credere a sua sorella, comprese nella sua agonia che bisogna morire lottando per il poema di sempre.

“El Poeta perdido”

Hoy encontré en la calle a un viejo amigo que escribía poemas, delicados, modestos y radiantes poemas. Y me contó el amigo que en otro tiempo fue la poesía una indagación de su ser, que fue la poesía un hermoso momento de su vida, que después se casó, tuvo hijos, y ahora peleaba duramente por el pan de los suyos y no escribía más poemas porque ya no necesitaba escribirlos. Y yo le dije me parece muy bien: vives en el poema verdadero que es vivir con aquellos, por aquellos que amas. Y mi amigo se fue, su rostro triste y sus espaldas encorvadas, y yo pensé que cada uno tiene derecho a vivir como puede, pero en el fondo un sentimiento me decía que en él había algo vencido, que si uno peleó por sacudirle el polvo a las palabras y el resplandor de las palabras le quemó hasta los tuétanos, ya no se puede ir para atrás porque entonces los vampiros avanzan y hasta Rimbaud, si hemos de creer a su hermana, comprendió en su agonía que hay que morir peleando por el poema de siempre.

Di carlos Sanchez vanno qui citate almeno le sue due raccolte: “La poesia, le nuvole e l’aglio” (collana “I Poeti di Smerilliana”, ed. Lìbrati, Ascoli Piceno, 2009), “Ricordati che non sai ricordare” (ed. Lìbrati, Ascoli Piceno, 2010), dai quali è tratta la selezione apparsa su larecherche.it nella sezione ‘saggi’.

«La poesia è uno dei più bei soprannomi che diamo alla vita» – (Jacques Prevert)

¶ C’è una poesia che scorre silenziosa lungo il crinale della sofferenza, talvolta solo interiore, perché insormontabile è il dolore che l’ha causata. È allora che questa si mostra a noi come una forza ctonia, allorché la ragione oscura della sopravvivenza richiede un atto di forte solidarietà che la contenga. Ben lo sa il poeta la cui emotività afferra gli spasimi dei sentimenti assopiti nel dolore, quello stesso che, in certo qual modo, esplode nell’anima prima di addivenire verso, parola lirica e canto, prima d'essere preghiera, ancor prima di farsi pianto, cui alcun fiume può contenere le lacrime sparse … è indubbiamente questo il contenuto dell’opera poetica di ‘Nel bosco senza radici’ – la raccolta di Amina Narimi, (Terra d’Ulivi Editore 2015) recensita in ‘saggi’ su questa stessa rivista:

“Eppure tutto è ancora oscuro mentre segreto ci plasma e ci àncora un volto nuovo, nuova la spinta ad amare un attimo prima di nascere un istante prima di dimenticare …”

“..tra la crisalide e la rosa ricomposta c’è un dono che si sporge dalle labbra, danzando per minuscole fiammelle da un punto di paura allo splendore.”

Amina Narimi, ancor prima d’essere poeta è una tessitrice di trame che d’un arcano sembiante portano il segreto. Un lontano afflato confidenziale che la restituisce alla natura genitrice di quell’eredità ancestrale, mai venuta meno, che ha attraversato deserti, valicato montagne, navigato fiumi scorsi a cercare l’immensità di quel mare che un giorno, forse troverà, ma solo quando l’incoffessato e profondo amore per la vita, si tacerà dal ridestare i fantasmi del creato, nei suoi versi.

Il passaggio dalla poesia alla musica e al canto è qui doveroso perché sono entrambe espressioni della vita che scorre, di quel valicare ‘i confini’ del nostro essere quotidiano nell’incontro con lo spirito eterno che ci guida.

«Esistono luoghi in musica dove i confini sono indefiniti, dove le definizioni sono obsolete e per questo inutili.» (Fred Ho)

Per quanto ritengo che la ‘musica’ possa ancora oggi far parlare di sé nelle espressioni della sperimentazione e creatività artistica del Jazz in tutte le sue combinazioni: dal classic al free, dal cool all’ethnic, dal bee-bop alle avanguardie post-moderne e ultramoderne che vanno esplorando ambienti e spazi fin qui inusitati, sia in a-solo che in gruppo e che fanno ormai da ‘soundtrack’ ai momenti più esaltanti del nostro vivere.

¶ È questo il senso dell’eclatante Sade Farida Mangiaracina, talentuosa interprete e compositrice che, già giovanissima, vanta grandi collaborazioni e tournée internazionali, della quale è da poco uscito il suo primo album per piano solo "La Terra dei Ciclopi", special guest Luca Aquino, per la Inner Circle Music - etichetta discografica statunitense guidata da Greg Osby. "La Terra dei Ciclopi" nasce dall'amore incondizionato di Sade per la sua terra, la Sicilia: ognuno dei dieci brani è una fotografia che ne ritrae luoghi e persone, una popolazione dai tratti differenti, nordafricani ma anche nordeuropei, «padroni di una terra martoriata, che tutto dà e tutto prende». Un lavoro lirico, pieno di emozione ed atmosfere evocative, rese ancora più profonde dal grande talento pianistico di Sade e dal suo interplay nei brani "Ballarò" e "Sugnu tutta pi tia" con Luca Aquino, impegnato con tromba e flicorno.

Ma leggiamo insieme la recensione apparsa su Musica Jazz in occasione del ‘Festival Bari in Jazz’, firmata da Alceste Ayroldi:

"Sade Mangiaracina scompone la tradizione sicula incastonata in "Ciuri Ciuri": il tema in vista viene frammentato con un incedere ritmico sfavillante, che sostiene l’energica improvvisazione tenuta a bada dal gioco ostinato della mano sinistra. Il fraseggio della Mangiaracina gioca sulle sfumature che mettono pace tra i costrutti della classica, gli imperiosi dettami del dialetto musicale siciliano e il pianismo jazz moderno che tiene a mente il migliore passato. La cantabilità dei brani ne rende ancor più appetitosa l’esecuzione: perfetta per dizione e vigoria, così come in "La fuddia di Archimede", tra forte e piano, note che si scavalcano lasciando sempre respirare la vermiglia melodia.

Il lirismo di "My Sicily" sottolinea la purezza compositiva della pianista, rimarcando anche le sue frasi dense di ponderatezza e di misura, attente alle nuances di una dedica appassionata." "Avere avuto la possibilità di collaborare per questo disco con la "Inner Circle Music", è un onore immenso, ha rilasciato Sade Mangiaracinain una recente intervista. E' stato lo stesso Greg Osby a propormi di far uscire l'album con la sua etichetta, dopo averlo ascoltato: per me è stato come un sogno. Nel disco ci sono due brani in cui ho il piacere di avere come ospite un amico fraterno e musicista straordinario, una punta di diamante nel panorama della musica Europea: Luca Aquino! Qualche anno fa avevo avuto il piacere enorme di suonare nel suo disco "aQustico" e, visto che adoro il suo suono, non vedevo l'ora di avere un'altra occasione per registrare insieme a lui...e così è stato proprio con questo mio album.”

¶ La musica esistenziale riflette dello scorrere del tempo nelle riflessioni del nuovo lavoro in trio del pianista Sam Mortellaro che abbiamo apprezzato in "Robotic delusions” disco (Auand piano series AU3013, distr. Goodfellas/Believe), tre musicisti per dieci tracce e una sola voce narrante. In uno stile che sa mettere in discussione il passato seminando qua e là elementi contemporanei, "Robotic delusions” sembra essere l’amalgama musicale del trio capace di generare l’allucinazione robotica del titolo: un morbido e acceso gioco di squadra che non può essere replicato da alcun algoritmo o macchinario. E anche in questo lavoro d’insieme si scorge una riflessione: la volontà di «incoraggiare l'umanità a continuare sempre fra gli alti e bassi, nel dolce-amaro dell'imperfezione e nella tenerezza dell'accontentarsi ma, soprattutto, nel proseguire sempre nonostante il mistero più grande di tutti i tempi ci rincorra da sempre. Mi riferisco al senso della vita, quello vero. La verità che non conosciamo e che nessuno può pretendere di dimostrare tramite prove oggettive. Perlomeno non ancora».

C’è di più, il nuovo lavoro di Sam Mortellaro è guidato da un’idea precisa che segue il cammino della vita di ognuno: «È una voce che, nonostante possa imbattersi in narrazioni onirico-realistiche forse anche un po’ leopardiane, non fa mai trapelare la sconfitta, l’abbandono al proprio destino e la rassegnazione. A tratti, sensazioni eroiche, di gioia, di speranza e di luce in un buio pesto riemergeranno sempre». Un cammino positivo e determinato che si fa strada sinuoso attraverso il pianoforte del leader, con Angelo Minacapilli al basso e Francesco Alessi alla batteria. È il tempo a diventare concetto fondamentale, non solo nelle infinite forme che assume, da ‘Vanitas’ a ‘Good For You’, ma soprattutto nella capacità dei componenti di abitarlo e renderlo fluido con il proprio interplay.

«Credo che il tempo – spiega Mortellaro –, inteso come musica in atto, sia un flusso che scorre continuamente in divenire, mai iniziato né finito e che continui sempre a scorrere anche quando stiamo in silenzio. Bisognerebbe riuscire a cavalcarne l’onda senza inciamparvi, in questo modo riusciremmo a percepire ogni suo frammento. Ci renderemmo conto che il tempo è in realtà indefinito e che bisogna fluire semplicemente al suo interno, con disinvoltura».

¶ Colgo qui l’occasione per tornare a parlare di Fabio Giachino, un virtuoso del piano-jazz che abbiamo già avuto modo di conoscere durante la presentazione del suo pimo album "Balancing dreams" (Tosky Records). La sua presenza sulla scena del Jazz contemporaneo ne fa uno dei pochi italiani fortunati che si sono aggiudicati il riconoscimento del pubblico internazionale. Mentre aspettiamo il suo nuovo album godiamoci il trailer di "North Clouds" featuring Fabrizio Bosso su www.youtube.com e cerchiamo di approfondire alcuni aspetti del suo background musicale, in questa intervista che ho scambiato con lui alla fine di un concerto-live in cui egli esplicita le sue possibili ‘vie di fuga’ dentro e fuori del Jazz:

«Fabio Giachino: Per me è un grande banco di prova: in "Balancing dreams" sono faccia a faccia con la parte più nascosta di me. La sfida risiede nella necessità e nella capacità di lasciarla fluire completamente.

Prendendo spunto da questa ammissione ho chiesto a Fabio in che cosa consiste la sua idea di Jazz?:

FG: L’idea è la libertà, immensa, difficile da raggiungere e allo stesso tempo da gestire. Per quanto mi riguarda è l’apice artistico al quale ciascuno nel suo piccolo dovrebbe ambire, e il jazz in quanto musica improvvisata, ce ne offre la piena possibilità.

Perché un ‘pianista-jazz’ sente sorgere improvvisa la necessità di esibirsi in a-solo, ciò non contraddice l’essenza stessa del Jazz?:

FG: Il pianoforte è uno strumento meraviglioso e assolutamente autosufficiente, la sfida per me risiede proprio nel riuscire a dominarne le potenzialità e non far sentire l’esigenza di altri strumenti intorno a me. Sia ben chiaro che amo suonare insieme ad altri strumenti in contesti più ampi e la sinergia che scaturisce dall’incontro di più musicisti è unica ed irripetibile. Quando si è soli entrano in gioco altre dinamiche, è un dialogo con la propria essenza nel quale si cerca di essere il più sinceri possibile… se con gli altri a volte è facile mascherare o addirittura mentire, quando ci si trova faccia a faccia con se stessi è impossibile.

Dopo le molteplici esperienze fatte con altri artisti ‘in-section’ e con molti e diversi strumenti, con quali il tuo ‘piano’ si è trovato a colloquiare meglio, hai delle tue preferenze?:

FG: Sicuramente la ‘mia Band’ è la situazione che prediligo (Davide Liberti: contrabbasso, Ruben Bellavia: batteria). Con loro si è presentato da subito un feeling unico che con il tempo è diventato qualcosa di solido, una certezza direi! Ho avuto la fortuna di incontrare musicisti straordinari e di esibirmi con loro, tra tutti mi sento di citare in particolare D.Liebman e M.Giammarco con i quali personalmente mi sono trovato estremamente bene ed a mio agio.

Quale futuro vedi per il Jazz in Italia?:

FG:Io sono ottimista! Il livello dei musicisti è alto, noto parecchia progettualità soprattutto tra i musicisti più giovani che creano gruppi e formazioni stabili, questo è bene. Le uniche consistenti difficoltà si riscontrano negli spazi, soprattutto nella gestione… troppo spesso le programmazioni preferiscono situazioni commerciali a progetti realmente ricchi di spessore artistico o innovativi, viene confusa la celebrità con la qualità e questo è male. Vedremo gli sviluppi dove ci porteranno.

Dall’esterno, quale futuro vedi sulla scena jazzistica di Fabio Giachino, pensi davvero di strabiliarci?:

FG: Ah ahah!, spero di si, ma mi accontento anche di regalarvi un paio di ore piacevoli senza troppi pensieri e preoccupazioni.

Tutto questo può sembrare poco, quanto basta però se si pensa che durante il concerto-live al quale ho assistito Fabio Giachino, pur avendo dichiaratamente espresso la sua vicinanza al pubblico presente, non ha potuto nascondere quell’implicita ‘timidezza’ che il piano-solo richiede nel rapporto a-due, quasi fosse di fronte a un ‘Pas de deux’ che nella danza crea un isola dal resto del balletto classico e destinata a ballerini virtuosisticamente più dotati, (solitamente i solisti o i primi ballerini), che si sfidano l’un l’altro per la palma della migliore interpretazione di se stessi, cone in questo caso, Fabio Giachino e la sua musica.»

www.fabiogiachino.

com www.toskyrecords.com

Ufficio Stampa: Fiorenza Gherardi De Candei

fiorenzagherardi@gmail.com

¶ Nella volontà di creare la ‘storia’, a voler dire di lasciare in essa il segno di una rinnovata musica fatta da grandi musicisti (che se non lo sono, lo saranno indubbiamente in futuro), i due protagonisti della scena musicale jazz Davide Belcastro e Giorgio Lovecchio ideatori della Tosky Records, la giovane etichetta indipendente specializzata in Jazz & Music Libraries, proseguono nella loro peculiare volontà di raggiungere un buon livello del Jazz in Italia e non solo. La loro più recente produzione infatti trova un certo riscontro nel panorama jazzistico con artisti di calibro internazionale che sono gli interpreti eccezionali degli album di questa tornata: “They say it’s Spring” di Marco Acquarelli Quartet featuring Alice Ricciardi; “For Life” con Dario Germani, Stefano Preziosi, Luigi Del Prete featuring Max Ionata; “The G-Session” di e con Luigi Masciari, Roberto Giaquinto, Aaron Parks, featuring Oona Rea (voce) impegnata in vocalizzi nel brano “Echoes”.

Di quest’ultimo in particolare va detto che la chitarra di Masciari occupa uno spazio quantomeno smagliante di effetti, lanciandosi in virtuosismi esuberanti che non lasciano spazio a dubbi sulla sua autenticità di leader del gruppo, per quanto il suono in alcuni brani risulti fin troppo metallico all’ascolto, quasi di ‘voce solista’ che canti ‘a cappella’ in un sottovuoto senza dimensione, ciò per quanto il rhodes piano di Aaron Parks cerchi invano di colmarlo. Sempre all’altezza delle sue capacità Roberto Giaquinto impegnato alle percussioni, affronta ogni brano con sapienza d’alchimista, centellinando i suoi interventi con discrezione d’accompagnamento. Strepitoso il bonus-track “Don’t touch my cords” contenuto nell’album, in cui ‘finalmente’ il gruppo s’avventura in quell’amalgama melodico-espressiva che distingue ogni session che si rispetti.

Dalla note introduttive all’album “For Life” – Tosky Records facciamo la conoscenza di un altro gruppo di musicisti davvero talentuosi:

“Dico d’esordio in trio per il giovane e talentuoso contrabbasso Dario Germani accompagnato dagli ottimi musicisti Stefano Preziosi al sax contralto e Luigi Del Prete alla batteria, impreziosito dalla presenza del solismo e dalla travolgente personalità del prolifico tenorsassofonista Max Ionata in alcuni brani contenuti nell’album. In “For Life” emerge chiaramente l’esigenza del trio di creare un ponte tra varie epoche musicali (..) Dal punto di vista strettamente jazzistico si denota un chiaro interesse compositivo che va dal Be-Bop, al Cool Jaz e alla forma blues di Yusef Lateef (For Life). Tuttavia i tre brani che compongono l’album pur rimanendo nelle forme tradizionali del jazz più puro, presentano caratteristiche diverse accomunate da una stessa ma originalità d’intenti.”

¶ Ma Natale è anche ‘Arte’ con l’ A maiuscola a significare l’impegno che da sempre questa Musa ha riposto nella creatività umana, ispirandosi di volta in volta alla natura, ai miti e alle leggende, alla storia e alla fiaba, ma che ci ha lasciato anche molti capolavori relegati alla religiosità dei popoli più antichi e moderni che non smetteremo mai di ammirare. Non di questo voglio parlarvi qui, sarebbe superfluo, lo hanno fatto e continuano a farlo in molti più preparati e sicuramente molto più bravi di me nel delineare i profili di una ‘storia’ che non vedrà mai fine.

Sicuramente anomalo in questo contesto, per quanto più vicino a noi, è l’invito riservatomi di un ‘evento’ artistico “I want to thank you so much for… ” che ha del provocatorio e che si presenta molto più di una mostra. “I want to thank you so much for… ” di Sylvie Renault e MesAlfie dal 16 - 31 Dicembre 2016. Ingresso libero tutti i giorni dalle 17 alle 20 allo Spazio Venenziano Via Reno 18/a Roma.

Si tratta «..di un’esperienza profonda, un viaggio sospeso tra visione e ascolto, un percorso dove pittura e musica si scelgono e si fondono insieme, accompagnando il visitatore oltre la forma, nel nucleo più intimo delle emozioni. Quelle dell’artista, svelate attraverso le tele, e quelle di ciascuno di noi, che in quel viaggio troverà nuove speranze, impronte e promesse. Cerchi, vortici, agglomerati, forme, non forme, esplosioni di colori. Questo l’universo di Sylvie Renault, Artista dei Cerchi Imperfetti, che racconta la bellezza di tutti noi perfettamente imperfetti.

“Ogni tela ci fa viaggiare lontano, in un arcobaleno di migliaia di colori, di speranze, in un’apertura verso un mondo migliore, ed è questo il messaggio di Sylvie”, spiega May Abboud, dell’Istituto Nazionale di Belle Arti di Beirut. Le opere del progetto “Im perfect Circles” sono tutte realizzate a tempo di musica, ogni gesto pittorico è pregno delle emozioni trasmesse dalle canzoni. E sarà proprio la musica a dare ritmo ai cerchi, a renderli vivi e pulsanti, durante il vernissage, quando il musicista cantautore MesAlfie eseguirà in versione acustica i brani del suo ultimo album “Hey Super”, a cui la collezione è interamente ispirata e dedicata. Nei giorni successivi, un lettore mp3 messo a disposizione per ogni tela esposta, consentirà ai visitatori di entrare in intimo contatto con l’universo emotivo dell’artista. Sylvie Renault (classe 1976) è, come ama auto-definirsi, pittrice imperfetta, donna imperfetta, artista dei 'Cerchi Imperfetti'.

Pittrice, creativa, concept designer, Art Director, è laureata all’Istituto Europeo di Design e ha partecipato, dal 1989 ad oggi, a molte collettive e personali tra Roma, Napoli, Olbia, Torino, Padova, Milano, Londra e New York. La sua produzione artistica si ispira agli studi della filosofia Sufi e agli insegnamenti del maestro Osho.

OSHO - Book of Winsdom.

'Only with the unknowable are you thrilled with the wonder of life and existence. Suddenly a song is born in your heart...

a song that cannot be contained, a song that starts overflowing, a song that starts searching others.'

'In the light of the morning as the new man arises as we dance, and we sing in the sun and the rain. In the light of the morning as thenew man arises every living thing, osho is whispering your name.'

(continua)

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Perché 'Genius' rasenta il capolavoro.

Benché il ripetersi di molti Film Fetival in giro per il mondo ci regali ogni anno tante pellicole più o meno interessanti, sono davvero pochi i film visti in questa stagione che meritano l’appellativo di ‘capolavoro’ come questo di Michael Grandage che racconta in maniera originale il lavoro prezioso del curatore editoriale Maxwell Perkins (Colin Firth), scopritore di talenti del calibro di E. Hemingway e F. Scott Fitzgerald, qui alle prese con un altrettanto talentuoso ed esuberante Thomas Wolfe (Jude Law), genio di penna e sregolatezza che, grazie al lavoro oscuro ma fondamentale svolto dallo stesso Perkins, riesce ad emergere nel vasto panorama della letteratura americana degli Anni ’20. Sconosciuto alla maggior parte del pubblico dei lettori italiani Thomas Clayton Wolfe è stato uno scrittore e poeta statunitense famoso soprattutto per i suoi romanzi, nei quali mescolando una scrittura originale piena di elementi autobiografici, descrisse la varietà e la diversità della cultura statunitense. Scrisse anche molti racconti brevi e alcune opere teatrali con stile pressoché ‘impressionista’ nei dettami di una vena incredibilmente poetica. Il suo stile decisamente diverso da quello di altri della sua stessa epoca ha influenzato nel tempo Jack Kerouac e la Beat Generation, e gode dell'ammirazione di numerosi scrittori contemporanei quale Edward Bunker, che spesso lo cita nelle sue opere.

Dalla sua biografia (Wikipedia) apprendiamo che seppur frustrato per i continui rifiuti da parte degli editori del suo primo romanzo Tom non si scoraggiò, ma solo dopo aver ricevuta la notizia che la prestigiosa casa editrice newyorchese Scribner's Sons era interessata al suo romanzo ‘O lost’, il 2 gennaio 1929 incontrò a New York Maxwell Perkins, il più famoso curatore editoriale del tempo., che lo spinse a cambiare profondamente la struttura del suo romanzo, accorciandolo di molto. Decisero anche di cambiarne il titolo in ‘Angelo, guarda il passato’, prendendo ispirazione da un poema di John Milton. Quando il romanzo iniziò ad avere successo, Wolfe troncò la relazione con Aline (sua compagna) e si trasferì a Brooklyn, per evitare la mondanità newyorchese e concentrarsi esclusivamente sulla scrittura.

Scrisse inoltre molte bozze per un secondo romanzo 'fiume', ma Perkins le rifiutò tutte. Fu proprio da Perkins, però, che venne l'idea di scrivere il seguito di 'Angelo, guarda il passato', e fu lo stesso Perkins a presentargli Elizabeth Nowell, la quale curò con successo l'edizione dei racconti brevi di Wolfe. Nel dicembre del 1933 un secondo romanzo era pronto e Wolfe lo portò a Perkins; si intitolava ‘The October Fair’, un'epopea in più volumi sulla falsariga di ‘Alla ricerca del tempo perduto’ di Marcel Proust. Perkins, dopo aver considerato le potenzialità commerciali di un libro così strutturato (più di 5.000 pagine), decise di tagliare pesantemente il romanzo fino a farlo diventare un singolo volume, che prese il titolo di ‘Il fiume e il tempo’. Quando uscì nel 1935, il romanzo era molto diverso dall'idea iniziale di Wolfe, che, frustrato, partì per l'Europa, in un viaggio che toccò Francia e Germania, dove invece era molto amato.

Mi fermo qui, agli anni in cui Thomas Wolfe conobbe quel successo che stravolse la sua vita, per non svelare gli intenti del film e, soprattutto, per non intaccare quella rivelazione che ha fatto di lui un ‘genio’ della penna, che per noi de larecherche.it vale la pena di conoscere e di incontrare, seppure attraverso una preziosa pellicola cinematografica. Preziosità data dalle scelte peculiari del regista Michael Grandage, come quella di aver preso a misura l’essenzialità di un vissuto turbolento scandito dal rapporto con la compagna Alina (la pur intensa Nicole Kidman) amante e musa dello scrittore, tralasciando la storia pregressa degli altri personaggi lasciati in secondo piano e, in verità, un po’ sbiaditi rispetto alla forte caratterizzazione dei due protagonisti. Inoltre alla scelta del color ‘seppia’ della pellicola che rende particolarmente morbido il ricordo di un’epoca, non poi così lontana dalla nostra, che avvolge e coinvolge lo spettatore di un alone intimo, facendolo partecipe del dialogo interiore dello scrittore, e ancor più dell’editore, con la scrittura stessa del romanzo; in questo caso della sceneggiatura perfetta (essenziale) del film.

Lo scontro fra Max (editore) e Tom (scrittore) non è titanico come ci si aspettava, se non in alcuni momenti troppo brevi per lasciare il segno: "Ho scritto cose strappate a forza dalle mie viscere e tu dici che non c'è spazio?" (Tom)

“Hei, al mondo servono poeti!” (Max)

“Voi siete così spaventati che non sapete vivere.” (Tom)

“Dio aiuti chi ti ama Tom, perché nonostante i milioni di bellissime parole nei tuoi libri, non hai idea di cosa significa essere vivi.” (Max)

Un film biografico scrive Giancarlo Zappoli in una recensione Apparsa su MYmovies Club, e che qui di seguito vi sottopongo in forma ridotta:

>>Basato sulla biografia "Max Perkins. Editor of Genius", il film di Michael Grandage si discosta in maniera sensibile dai classici biopic. Perché è vero che lascia ampio spazio alla descrizione di un Wolfe tutto genio e sregolatezza, incapace di avere legami che non siano con i frutti della propria creatività ma al contempo bisognoso di trovare un sostituto della figura paterna che tanto aveva contato nel sostenere i suoi studi e che era prematuramente scomparsa. È però anche vero che il focus maggiore sta proprio su Perkins, un uomo che non si toglieva il cappello neppure a tavola e che, una volta attratto da un testo, finiva con il disinteressarsi di quanto gli accadeva intorno. Grandage ci ricorda che, ora come allora, un grande romanzo non è mai frutto solo ed esclusivamente della creatività di 'un' solo genio. Occorre che al suo fianco ce ne sia un altro, nascosto ma altrettanto necessario: il curatore editoriale.

Se si tratta di una persona che ama il proprio lavoro, che non si limita a correggere i refusi ma sa entrare dentro l'intimità di un testo, sapendone cogliere le potenzialità ma evidenziandone anche le fragilità, il libro che ne nasce sarà migliore di quando è stato proposto per la pubblicazione. Attraverso l'incontro (e talvolta anche lo scontro) tra due personalità così diverse veniamo invitati a comprendere come la forza della parola resti ancora oggi, a distanza di quasi un secolo e in un mondo in cui le forme della comunicazione sembrano avere imboccato strade totalmente diverse, fondamentale. Gli Hemingway, gli Scott Fitzgerald, i Wolfe ci propongono ancora parole che conservano un senso grazie al lavoro, oscuro ma fondamentale, dei Perkins.>>

Ho già detto del colore della pellicola, ma potrei aggiungere l'importanza dei costumi che ci restituiscono per intera l'eleganza del tempo che fu con estrema ricercatezza di particolari, anche lì dove la cura si fa trasandata nell'uso del quotidiano. Ed anche lì dove la fotografia magistrale indugia nelle immagine dell'arte, presentandoci un Hopper particolarmente attuale. Ma per quanto nel film sembri non mancare nulla degli ingredienti necessari a farne un capolavoro, errivati al dunque, manca un briciolo in più di quell'umanità (che forse non c'era, non saprei) che ce lo fa amare; o forse quel pizzico di 'poesia' che il mestiere di scrivere concerne e che tocca le corde dei sentimenti, a dimostrazione che il romanziere ha amato i suoi personaggi, tanto da ucciderli, infine.

Straordinari gli interpreti, coinvolgenti in questa che va considerarata una vera e propria 'prova d'attore'.

SMARRITO TRA LE PAGINE DEL WEB:

'Le Fils de Jean'- ovvero cosa forma la nostra identità e dove la troviamo.

E' sighificativo che sia sfuggito all'attenzione pubblica un film di certo spessore significativo e così interessante per la comprensione del nostro tempo. Davvero mi rammarico di non averlo ancora visto nelle nostre sale cinematografiche. Cercatelo, richiedetelo, visionatelo, perché è uno di quei film da non perdere.

Cineuropa: articolo di Vladan Petkovic.

In concorso a Varsavia 2016 'Le Fils de Jean: cosa forma la nostra identità e dove la trovoamo' ottavo lungometraggio del regista francese Philippe Lioret è stato proiettato nella Competizione Internazionale del Festival di Varsavia.

Le Fils de Jean è un'esplorazione toccante dell'identità personale e della ricerca dell'amore; un'opera benevola, pensata per il grande pubblico che affronta l'amore familiare e l'identità personale, portando questi temi a profondità emotive che toccano lo spettatore intimamente.

Essai:

Il personaggio principale, il trentacinquenne Mathieu (Pierre Deladonchamps nella foto), è un direttore vendite divorziato la cui vera passione è scrivere di letteratura poliziesca. È stato lasciato dalla moglie, perché il suo lavoro nella vendita al dettaglio era troppo impegnativo, ed è anche uno dei motivi per cui non ha scritto un secondo romanzo, sebbene il suo debutto sia stato un discreto successo. Anche se sono separati, l'uomo è in buoni rapporti con l'ex moglie e vede suo figlio di 6 anni ogni fine settimana. Un giorno riceve una chiamata dal Canada e apprende che il padre, Jean, è morto, e gli ha lasciato un pacco. Il chiamante, un certo Pierre, vorrebbe il suo indirizzo così da poterglielo inviare. Mathieu è sbalordito - non sapeva che suo padre fosse vivo, poiché sua madre non aveva mai voluto parlare di lui. Quando viene a sapere di avere due fratelli a Montreal, decide di volare laggiù per incontrarli. In aeroporto viene accolto da Pierre (Gabriel Arcand), un vivace medico settantenne, migliore amico di Jean per decenni. Si mostra scontroso all'idea che Mathieu voglia immediatamente incontrare la famiglia che non ha mai conosciuto. Inoltre la loro madre è morta di recente, e ci sarà un funerale tradizionale ebraico tra due giorni. E Mathieu non aveva neanche idea di essere ebreo. Si scopre che il suo cognome Edel era originariamente Edelstein. Ma il funerale non sarà facile da organizzare. Questo perché Jean, secondo quanto dedotto da Pierre visti i due episodi cardiaci precedenti del suo amico, ha subito un attacco di cuore mentre era pesca cadendo nel lago, il che significa che il suo cadavere dev'essere ancora recuperato. Così i suoi due figli, interpretati da Pierre-Yves Cardinal e Partick Hivon, decidono di condurre un'altra ricerca nel lago, vicino cui hanno una casa estiva. Mathieu riesce a convincere Pierre ad aiutarli. Pierre è chiaramente toccato da questa richiesta, nonostante la sua convinzione che la famiglia non debba essere inutilmente disturbata. Per tale ragione, fa promettere a Mathieu di non rivelare mai la sua vera identità. Da qui, Lioret ci accompagna in un viaggio attraverso le relazioni familiari (tra cui quella di Pierre, con la sua affascinante moglie, figlia e due nipoti), che di tanto in tanto peggiorano, a volte affascinano, ma permettono sempre facilmente di identificarsi. Con un paio di McGuffins sottilmente posizionate e sapientemente utilizzate, il regista con delicatezza, e spesso con umorismo elegante, porta ad un finale ben eseguito e commovente in cui i protagonisti comprendono le vere priorità della vita, la questione dell'identità personale, e da dove viene la nostra percezione di essa. L'interazione tra Deladonchamps e Arcand è la chiave per raggiungere quest'obiettivo, ma Cardinal e Hivon sono protagonisti di un episodio altrettanto impressionante, in cui rivelano come troppa speranza e preconcetti vengano distrutti quando la realtà rivela la sua spesso brutta faccia.

Philippe Lioret usa attentamente il ritmo, e utilizza i grandi spazi aperti del Quebec per portare freschezza a un film prevalentemente girato in interni. Mentre le scene ambientate in interni vanno dal dolce al piuttosto cinico, la location del lago tira fuori il lato selvaggio in un senso molto più profondo di quello letterale e fisico.

Co-produzione tra le francesi Fin Août Productions e France 3 Cinéma, e la canadese del Item 7, Le Fils de Jean è venduto all'estero da Le Pacte.

Philippe Lioret • Regista in una intervista di Vladan Petkovic 13/10/2016 -

Cineuropa ha incontrato il regista francese Philippe Lioret, che ha presentato il suo nuovo film, Le Fils de Jean, in competizione al Festival di Varsavia Il francese Philippe Lioret (Welcome, Toutes nos envies) ha presentato il suo nuovo film, 'Le Fils de Jean', in competizione al Festival di Varsavia.

Abbiamo incontrato il regista per discutere del film.

Cineuropa: 'Le fils de Jean' è più che commovente, fa piangere, ma con le lacrime porta anche un sorriso. Da dove viene l'idea?

Philippe Lioret: L'idea per questo film mi è venuta leggendo un libro: Si ce livre pouvait me rapprocher de toi di Jean-Paul Dubois, ma è stato solo una fonte d'ispirazione che mi ha permesso di affrontare un soggetto piuttosto personale che ho impiegato quasi 3 anni a scrivere. Con questa storia, avevo in mente l'idea di un film 'solare' e i sorrisi che le ha regalato mi rassicurano a questo proposito.

Come ha scelto gli attori?

All'inizio del casting mi sono detto: "non m'interessa fare questo film con delle star, devo solo trovare gli attori la cui natura profonda si avvicina di più a quella di questi personaggi". Sapevo che Mathieu, nonostante i suoi 35 anni, aveva una grande fanciullezza dentro di sé. Ho incontrato quasi tutti gli attori di questa generazione, ed è in Deladonchamps che ho scoperto quest'infanzia in misura maggiore. Per i ruoli canadesi, è stato più complicato perché li conoscevo poco. Ho visto un numero impressionante di film provenienti dal Quebec, finché non mi sono imbattuto ne Le Démantèlement di Sébastien Pilote, in cui Arcand aveva il ruolo principale. Sono rimasto ipnotizzato. Era lui. E quando Gabriel ha letto la sceneggiatura di Fils de Jean, mi ha detto: "Sono io". Ci eravamo trovati.

Come ha conferito questa forma alla storia? È stato complicato lavorare alla sceneggiatura?

Come ho detto prima, non resta quasi più nulla del libro di Jean-Paul che è servito da ispirazione, da detonatore. Inoltre, avevo contattato Natalie Carter per non trovarmi da solo di fronte a questa "montagna di sentimenti contraddittori", ma ho scoperto che questa storia mi apparteneva a tal punto che Natalie mi ha subito convinto a scriverla da solo... e, per arrivare alla versione di cui stiamo parlando, mi ci sono volute molte circonvoluzioni, dubbi e interrogativi, quindi molto lavoro, e poi ancora lavoro per non far vedere il lavoro. Perché mi piace pensare che un film sia un dono che viene fatto allo spettatore, e se si vede il lavoro, è un po' come averci lasciato il prezzo sopra.

Ci dica un po' dello stile visivo.

Sia la fotografia che il montaggio sono molto puliti e disciplinati, non ci sono esperimenti o grossolanità, ma la visione resta molto dinamica. Si passa dagli interni al lago, cosa che divide il film in due parti, sebbene le scene in interni siano predominanti in termini di durata. Sa, nessuno degli equilibri visivi di cui parla era previsto, non lavoriamo così. Ma forse, mio malgrado, le scene si sono disposte a caso, sempre con il desiderio di fare un film "solare" e ottimista. E poi mi piace il movimento e gli spazi aperti (in Canada mi sentivo realizzato!), cosa che mi ha permesso di affrontare quest'argomento intimo senza fare un film intimo.

Titolo internazionale: A Kid

titolo originale: Le fils de Jean

titolo provvisorio: Les yeux au ciel paese: Francia, Canada anno: 2016 genere: fiction regia: Philippe Lioret durata: 98'

data di uscita: FR 31/08/2016

sceneggiatura: Philippe Lioret, Natalie Carter

cast: Pierre Deladonchamps, Gabriel Arcand, Catherine de Léan, Marie-Thérèse Fortin, Pierre-Yves Cardinal, Patrick Hivon, Aliocha Itovich

produttore: Marielle Duigou, Philippe Lioret

produzione: Fin Août Production, France 3 Cinéma, Item 7 (CA)

supporto: La Banque Postale Image, Manon Soficas distributori: Le Pacte

Invito alla Conferenza sul Futurismo nell'arte e nella letteratura - Jesi 30 ottobre p.v.

Cari amici de larecherche.it

Con la presente siamo lieti di invitarvi alla Conferenza sul Futurismo nell'arte e nella letteratura che si terrà domenica 30 ottobre a partire dalle 17:30 presso la Sala Maggiore del Palazzo dei Convegni a Jesi (AN).

Interverranno il critico d'arte prof. Armando Ginesi che, per mezzo di una scelta di opere pittoriche del movimento artistico, spiegherà questa importante fase pittorica.

A seguire i critici lettari Lorenzo Spurio, Marco Palmonella e Max Ponte interverranno su alcuni aspetti del 'futurismo' in materia letteraria.

Grati se vorrete prendere parte alla conferenza. L'occasione è gradita per inviare cordiali saluti Ass. Euterpe

www.associazioneeuterpe.com

ass.culturale.euterpe@gmail.com

‘L’Inferno a portata di mano’

In letteratura e musica:

da Dante Alighieri a Dan Brown, passando per l’Odissea’ (Ulisse) di Omero; ‘La favola di Orfeo’ di Angelo Poliziano; ‘Il maestro e Margherita’ di Michail Bulgakov; all’opera buffa ‘Orfeo all’Inferno’ di Jacques Offenbach; a ‘Orfeo negro’ di Marcél Camus, e tantissimi altri.

Nell’arte:

dall’icona ‘Inferno’ di Sandro Botticelli al ‘Giudizio’ di Michelangelo Bunarroti, dal ‘Giudizio’ di Luca Signorelli nel Duomo di Orvieto, a Buonamico Buffalmacco del ‘Trionfo della Morte’ nel Camposanto di Pisa; dallre ‘Costruzioni Infernali’ di Hieronimous Bosch all’anonimo pittore della ‘Danza macabra’ di Clusone, fino a Gustave Doré l’illustratore per eccellenza dell’Inferno dantesco.

Al cinema:

da Giuseppe de Liguoro (1911) (muto rimasterizzato, musica composta da Tangerine Dream), passando da ‘La nave di Satana’ di Henry Otto (altro film muto 1924), di Reginald Hazeltine Bassett; a ‘Inferno’ di Dario Argento (1980), musica di Dario Argento e Keith Emerson; da Harry Lachman ‘Dante's Inferno: Abandon All Hope’ (2010) un cortometraggio di Boris Acosta, sulla musica di Aldo De Tata; fino al più recente ‘Inferno’ dal libro di Dan Brown (2016), diretto da Ron Howard (2016), musica di Hans Zimmer.

Aspettando 'Inferno'  il nuovo film al cinema.

Ce n’è per tutti i gusti e per tutte le possibilità, non economiche intendo, anche se stando ai recenti fatti di cronaca giudiziaria, viene da dubitare che qualcuno potrebbe anche essersi comprato ‘un posto in paradiso’. Personalmente non saprei cosa scegliere. Oggigiorno l’Inferno (dantesco s’intende) sembrerebbe un posticino niente male, indubiamente assai movimentato e alquanto allegro, più del Paradiso, dove mandare a passare le vacanze ai molti indagati per reati vari e ai giudici che li assolvono.

Per il momento limitiamoci a visionare il nuovo thriller ‘Inferno’ della coppia Dan Brown / Ron Howard che dal libro passa al film (era scontato) che, come ormai ci hanno abituato (sempre dopo i primi 007) con una buona dose di adrenalina, che dall’8 ottobre ha invaso le sale cinematografiche mondiali, ovviamente partendo da Firenze (e dov’altro se no?) con un grande evento che ha visto l'intero cast del film: Tom Hanks as Robert Langdon, Felicity Jones, Irrfan Khan, Omar Sy, Sidse Babett Knudsen, oltre al regista, Ron Howard, presente al Tetro dell’Opera dove è stato presentato ufficialmente il nuovo film ‘Inferno’.

«Se sai dove guardare, Firenze è il paradiso» … con questa frase (ripresa dala cronaca giornaliera) entrata nel nuovo best seller di Dan Brown, ‘Inferno’, offre la chiave per rivisitare la città accanto al professor Robert Lengdon durante la sua ricerca dell’indizio nascosto nella "mappa dell’Inferno" dantesco di Botticelli. Vale certamente la pena munirsi del libro e immergersi nei segreti (presunti tali) della Firenze del Rinascimento.

Sinossi del libro: (dal sito ufficiale Mondadori)

«Il profilo inconfondibile di Dante che ci guarda dalla copertina è il motore mobile di un thriller che di “infernale” ha molto. Il ritmo, prima di tutto, e poi il simbolismo acceso, e infine la complessità dei personaggi che conducono a un esito raro per i romanzi d’azione: instillare nel lettore il fascino del male, addirittura la sua salvifica necessità. Non è affatto sorprendente che lo studioso di simbologia Robert Langdon sia un esperto di Dante, anzi. È naturale che al poeta fiorentino e alla visionarietà con cui tradusse in forme solenni e oscure la temperie della sua epoca tormentata il professore americano abbia dedicato studi e corsi universitari ad Harvard. E quindi è normale che a Firenze Robert Langdon sia di casa, che il David e piazza della Signoria, il giardino di Boboli e Palazzo Vecchio siano per lui uno sfondo familiare, una costellazione culturale e affettiva ben diversa dal palcoscenico turistico percorso in tutti i sensi di marcia da legioni di visitatori. Ma ora è tutto diverso, non c’è niente di normale, nulla che possa rievocare una dolce abitudine. Questa volta è un incubo e la sua conoscenza della città fin nei labirinti delle stradine, dei corridoi dei palazzi, dei passaggi segreti può aiutarlo a salvarsi la vita.

Il Robert Langdon che si sveglia in una stanza d’ospedale, stordito, sedato, ferito alla testa, gli abiti insanguinati su una sedia, ricorda infatti a stento il proprio nome, non capisce come sia arrivato a Firenze, chi abbia tentato di ucciderlo e perché i suoi inseguitori non sembrino affatto intenzionati a mollare il colpo. Barcollante, la mente invasa da apparizioni mostruose che ricordano la Morte Nera che flagellò l’Europa medievale e simboli criptici connessi alla prima cantica del Divino poema, le labbra capaci di articolare, nel delirio dell’anestetico, soltanto un incongruo “very sorry”, il professore deve scappare. E, aiutato solo dalla giovane dottoressa Sienna Brooks, soccorrevole ma misteriosa come troppe persone e cose intorno a lui, deve scappare da tutti. Comincia una caccia all’uomo in cui schieramenti avversi si potrebbero ritrovare dalla stessa parte, in cui niente è quel che sembra: un’organizzazione chiamata Consortium è ambigua tanto quanto un movimento detto Transumanesimo e uno scienziato come Bertrand Zobrist può elaborare teorie che oscillano tra utopia e aberrazione.

Alla fine di un’avventura che raggiunge momenti di insostenibile tensione, Dan Brown ci rivela come nel nostro mondo la distanza tra il bene e il male sia breve in maniera davvero inquietante, catastrofe e salvezza possano essere questione di punti di vista e anche da una laguna a cielo coperto si possa uscire a riveder le stelle.» (Scusate la lungaggine).

Vi avevo avvertiti, ce n’è per tutti, anzi sarebbe meglio dire ‘c’è posto per tutti’, per tutti quelli che come me ne scrivono, per tutti gli altri che ne parlano, per tutti coloro che leggono e anche per tutti quanti visionano il film al cinema. Chi mai l’avrebbe detto che Dante (il pescivendolo/filosofo del mercato sotto casa che vuole sempre parlare di politica) a un certo punto, avrebbe rifilato del pesce surgelato per fresco agli avventori, mandandoli tutti all’Inferno a cagarsi l’anima. Non so voi, ma dal suo punto di vista era ciò che si meritavano tutti quanti, incluso me. Parole sacrosante le sue che sottolineano e accentuano quanto rivelato da Dan Brown alla fine del monumentale romanzo, cioè: «..come nel nostro mondo la distanza tra il bene e il male sia breve in maniera davvero inquietante, catastrofe e salvezza possano essere questione di punti di vista.»

All’occorrenza però voglio consigliarvi una chicca da cineamatore: ‘L’inferno’ di Giuseppe de Liguoro, un film muto del 1911, restaurato nel 2004 con le musiche dei Tangerine Dream, e recentemente uscito in DVD. Un capolavoro assoluto, che lascia apprezzare quanto la fotografia in bianconero restituisca ‘nella pochezza degli strumenti dell’epoca’ una ‘illuminata’ versione onirica del testo dantesco, pari quasi a quella di Gustave Doré, lo straordinario illustratore che alla metà dell’Ottocento fece, con le sue esemplari immagini fece comprendere al mondo tutta la potenza e la grandezza intrinseca del testo di Dante.

Una ‘buona visione’ dunque per tutti coloro che non ne conoscevano l’esistenza e un ‘buon ascolto’ per quanti rammentano o scoprono per la prima volta i Tangerine Dream, il gruppo musicale tedesco formato nel 1967 da Edgar e Jerome Froese, tra i principali esponenti del krautrock e della musica cosmica, coloro che sono ancora oggi considerati i pionieri ma anche i fautori della musica rock contemporanea.

Così si è espresso il portavoce Edgar Froese alla presentazione del film: Berlin July 2004:

«Dante’s Divine Comedy has always inspired me and I realized a life-long ambition by composing the music of the first of my trilogy, l’ Inferno. Interpreting the Dante-trilogy is an immense musical challenge and it’s translation to screen equally momentous. Giuseppe de Liguoro’s film is the only successful version of the epic poem ever made. It is remarkable for it’s timeless lyrical qualities and visualization of Dante’s Hell. Working with film has always played a central role in my life and the discovery of this Italian masterpiece, made nearly 100 years before I composed the music was truly remarkable. The synthesis of the music and the film is not only powerful but beautiful and brings the audience closer to a deeper understanding of one of the most spiritual works ever written.»

E così si è espressa la stampa:

«L’Inferno.. is a fascinating relic of pre-First World War signs and wonders. Some of the effects are badly dated, but others have the antique oddness of a magic-lantern show, as carousel of bodies jerkily swivel , rows of legs poke out of a river of filth, and a dragon appears, inexplicably, for a second. Naked bodies twist in suffering, and men in horned devil-suits cackle. To this, Tangerine Dream add momentum and even melodrama, restricting themselves at times to dark, low strings.» (Independent Review by Nick Hasted, March 2004)

In disaccordo con Dan Brown posso dire che il romanzo, come al solito, alla fine mi ha lasciato un po’ deluso perché l’accattivante inizio è poi scemato in un aleatorio disinteresse per la trama, quanto invece mi sono lasciato prendere dalla dinamica dell’azione. Ma forse è solo un mio problema di lettore. Sappiamo tutti che un romanzo in qualche modo deve pur finire, e non sempre Dan Brown mi sembra scelga la soluzione migliore. In breve, Dan Brown e Ron Howard per quanto bravi ognuno nel proprio mestiere, nessuno dei due è paragonabile nella costruzione di un  thriller a Ian Fleming tantomeno ad Alfred Hitchcock.

Chi invece non si smentisce mai essendo sempre all’altezza delle sue effusioni comiche è il superlativo Totò, anch’egli misuratosi con l’inferno nel film del 1955 diretto da Camillo Mastrocinque. Fu il primo film di Totò diretto da Mastrocinque intitolato ‘Totò all’Inferno’ pensato interamente da Totò, con l’aiuto di bravi sceneggiatori come Lucio Fulci, Vittorio Metz, Gino Mangini, Italo De Tuddo, Francesco Nelli e lo stesso Camillo Mastrocinque; con le musiche composte e dirette dal maestro Pippo Barzizza e un cast d’eccezione: Totò, Antonio Marchi, Mario Castellani, Cri Cri, Maria Frau, Franca Faldini, Galeazzo Benti, Dante Maggio, Mario Pisu, Nerio Bernardi, Ubaldo Lay, Guglielo Inglese, Fulvia Franco, Olga Solbelli …

Così si è espresso Totò:

‘Al mio funerale sarà bello assai perché ci saranno parole, paroloni, elogi, mi scopriranno un grande attore: perché questo è un bellissimo paese, in cui però per venire riconosciuti di qualcosa, bisogna morire' .… per il resto è un ‘Inferno’.

Non mi rimane che augurarvi buona visione, con la differenza che all'Inferno con Totò il divertimento è assicurato.

SILE JAZZ A MOGLIANO VENETO, con un doppio concerto imperdibile e ospiti internazionali d'eccezione.

Seconda tappa di SILE JAZZ 2016 a Mogliano Veneto.

Continuano gli appuntamenti della rassegna jazzistica itinerante: questa settimana SILE JAZZ cambia la location del suo concerto, ma rimane nel territorio moglianese. Dopo il successo di pubblico di venerdì scorso al Parco di Villa Longobardi, venerdì 8 luglio dalle 21, la serata musicale sarà ospitata all’interno della Piazzetta del Teatro e, seguendo il percorso “oltre il confine”, vedrà la presenza di ben due ensemble di sapore internazionale con l’Elettrofoscari Large Ensemble con l’iracheno-statunitense Amir ElSaffar, e a seguire l’affermato trio polacco Leszek Kułakowski Ensemble Piccolo.

Come già avvenuto per la data precedente di Mogliano, tra le novità dell’edizione 2016 di SILE JAZZ ci sono anche alcuni appuntamenti con i libri e la cultura, sempre legati comunque al mondo della musica jazz.

Il concerto infatti sarà preceduto alle 19 dalla presentazione del libro di Enrico Bettinello “Storie di jazz”, presso la Libreria Mondadori. Con l’accompagnamento musicale di Nicola Fazzini al sax alto, l’autore - uno dei più preparati giornalisti del panorama musicale italiano - in questo saggio racconta le vicende artistiche di cinquantasette icone del jazz, presentate con la vivacità di pensiero e l’acume critico che caratterizzano da sempre i suoi scritti. Con un punto di vista originale, Bettinello si distanzia dai luoghi comuni della storiografia invitando anche all’ascolto di brani non sempre noti ma comunque reperibili in rete e nei canali tradizionali di vendita.

Enrico Bettinello scrive di jazz e di musica contemporanea per diverse importanti testate, tra le quali «Il Giornale della Musica», «BlowUp», «Musica Jazz», e collabora anche con RadioTre Rai. E’ inoltre caporedattore del sito AllAboutJazz Italia e direttore del Teatro Fondamenta Nuove di Venezia, e si occupa anche di curatela di performing arts, comunicazione e formazione.

Appena fuori dalla libreria, seguirà in Piazzetta del Teatro il doppio concerto a ingresso libero e gratuito dalle 21. Ad aprire sarà l’Elettrofoscari Large Ensemble, gruppo giovane ma consolidato formato da studenti ed ex allievi dell’Università Ca’ Foscari di Venezia guidato dal prof. Daniele Goldoni e con la presenza di Nicola Fazzini.

Per questa occasione la giovane stella internazionale Amir ElSaffar dirigerà una produzione originale con l’Elettrofoscari Large Ensemble, proseguendo una collaborazione nata in occasione del MusicaFoscari/San Servolo Jazz Fest 2015, dove l'ensemble è stato impegnato in una residenza durata una settimana guidata da ElSaffar. Culturalmente e musicalmente multilingue (di origine americano-irachena, suona la tromba, il santur, canta la musica tradizionale irachena), ElSaffar si è imposto in campo internazionale con il suo linguaggio che combina il maqam e la sensibilità micro-tonale con la libertà di improvvisazione, il linguaggio ritmico, l’intensità dinamica propria del jazz. La produzione sperimenta un inedito intreccio delle recenti tecniche compositive e d’improvvisazione del jazz con i suoni non temperati del maqam.

A seguire, l’esibizione del trio guidato dal polacco Leszek Kulakovski. Pianista, compositore e teorico della musica definito dai critici come “visionario del jazz”, è anche il guru di quello che è definito “Third stream”, fusione di musica moderna e jazz. Vanta importanti partnerships con artisti del mondo del jazz e non solo. In questa formazione sarà accompagnato da Tomasz Sowiński alla batteria e dal figlio Piotr Kulakowski al contrabbasso.

PROGRAMMA:

Venerdì 8 luglio 2016 ore 19:00 Mogliano Veneto/Libreria Mondadori - Via Costante Gris, 10 ENRICO BETTINELLO PRESENTA IL SUO LIBRO “STORIE DI JAZZ” con l'intervento musicale di Nicola Fazzini al sax alto ore 21:00 Mogliano Veneto/Piazzetta del Teatro (in caso di pioggia Centro sociale di Piazza Donatori del Sangue).

AMIR ELSAFFAR & ELETTROFOSCARI LARGE ENSEMBLE Amir ElSaffar (tromba e voce) Elettrofoscari Large Ensemble Daniele Goldoni (tromba) Nicola Fazzini (alto & soprano sax) Jacopo Giacomoni (tenor sax) Massimiliano Cappello (chitarra elettrica) Alberto Bettin (piano) Marco Centasso (contrabbasso) Raul Catalano (batteria)

LESZEK KULAKOWSKI Ensemble Piccolo Leszek Kułakowski (piano) Tomasz Sowinski (batteria) Piotr Kułakowski (contrabbasso) “Sile Jazz” è organizzato dall’associazione culturale nusica.org con la direzione artistica del bassista Alessandro Fedrigo, in collaborazione con Studio15_design, Fondazione Università Ca’ Foscari Venezia e la Scuola di musica “Thelonious Monk”.

Oltre al sostegno dei Comuni aderenti – Casale sul Sile, Casier, Mogliano Veneto, Morgano, Preganziol, Quarto d'Altino, Quinto, Roncade, Silea, Treviso e Vedelago - la rassegna vede la partecipazione di “Sile, Oasi d’Acque e di Sapori” e dei seguenti sponsor privati: Banca di Monastier e del Sile, Best Western Premier BHR Treviso Hotel, Degusto, Masiero Group - Illuminazione, Panchìc, Perlage.

Eleonora Drago Ufficio Stampa e Comunicazione Sile Jazz 2016

+39 347 3932301 press@silejazz.com